Nación cautiva de Rupert Wyatt

El Blog de Ramón! - Entretenimiento y Humor

Una invasión extraterrestre ocupa la tierra, pero durante el trayecto del film esta permanece en segundo plano prácticamente, solo es un fondo, una excusa. Esta idea, sin embargo, sirve al director para adentrarse en una especie de alegoría sobre el poder dictatorial y la ejecución del mismo, por parte de una clase social terrestre corrupta y colaboracionista, frente a la resistencia activa contra el poder establecido.

Sinopsis: En un barrio de Chicago, casi una década después de una ocupación por una fuerza extraterrestre, ‘Nación cautiva’ explora las vidas de ambos lados del conflicto: los colaboracionistas y los disidentes. Hace 10 años, los aliens arrebataron el planeta a los humanos. Hoy un grupo de rebeldes intentará comenzar a recuperarlo.

Nación cautiva es un trabajo errático sin emoción, a la vez que confuso, y falto de escritura y desarrollo, cuya subtrama de índole político injiere a todos y cada uno de los personajes, no llegándoles a trasformar.

Las niñas de Pilar Palomero

Las niñas', de Pilar Palomero, participada por RTVE, competirá en la  sección Generation KPlus de la Berlinale

En los años noventa, del pasado siglo, bajo el manto de la modernidad y la desmemoria democrática, de un país que creía ser autosuficiente,  aun latían diversos intersticios  por donde se colaba la grisura sociológica del régimen franquista, que como se ha podido comprobar con el tiempo, siempre se ha mantenido en sus mismas posiciones morales y éticas, y políticas, y económicas. Los cambios democráticos han sido cosméticos, porque no ha existido un verdadero cambio cultural como diría Juan Goytisolo. La fiesta se embadurno de confetis corruptos y ensoñaciones caducas.

En ese tiempo ocurre esta historia y con esa simiente, la directora debutante nos sumerge en un universo contradictorio, no exento de ironía pese a la negrura, que es al fin al cabo parte de su memoria. La mirada de Celia, el primordial punto de vista en el que está narrada esta historia, nos va abriendo paulatinamente, desde la atención naturalista por el detalle (evitando juicios a priori y posibles manipulaciones emocionales), hacia una serie múltiple de realidades rugosas y complejas (como son también las relaciones entre los personajes), que terminan conformando un corpus metafórico que invita a la reflexión. Todas ellas marcadas por precisos interrogantes, determinantes secretos que parecen no resolverse y quedan en el aire.

2020: Festival de Málaga: Biznaga de Oro (mejor película), fotografía y Premio Feroz de la crítica.

Vida en sombras de Llorenc Llobet Grácia

1. Vida en sombras (Llorens Llobet-Gràcia, 1949) | CONTRAPICADO

Vida en sombras no deja de identificar el cine con la vida. Una y otra vez parecen sucederse diversas exaltaciones alrededor del cine, desde luego un tanto ingenuas, petulantes. Los diálogos siempre teatrales (las interpretaciones sin dudarlo hieráticas, salvo la concerniente a Fernando Fernán Gómez).

Nuestro protagonista está condicionado por el cine, por su amor al cine, y su evolución técnica, a lo largo del tiempo, ya desde la existencia de la imagen fija y sus procesos hacia la imagen en movimiento. Carlos nació en una barraca de feria donde se proyectaban películas. Solo tiene un deseo; realizar cine. Pero también su vida viene determinada por el dolor y el sufrimiento como se comprobará a lo largo del suceder del metraje (la guerra, la muerte de su mujer).

Vida en sombras es un petulante trabajo lumínico que se revela pese a la oscuridad. Un claro intento de “metacine como declaración, que supura por todos sus poros”.

El contexto histórico en el que se desarrolla este elíptico melodrama es solo un mero trasfondo. El director utiliza formalmente de manera un tanto manipuladora sobreimpresiones, rótulos y alusiones temporales por medio de  diálogos ilusorios. Es decir, contar con todos los medios posibles a su alcance para que todos y cada uno de los hechos históricos, que se suceden, queden difusos, vaciados, sin un significado político.

Esta ópera prima (única cinta de su director) solo quiere mostrar el sobrecogedor y arrebatado tormento del protagonista (poco o nada creíble), su doliente vida interior, y su amor romántico por el cine. El amor por el cine oculta las realidades. El amor hacia el cine es también redención pese a la recargada tragedia (ese regresar, a pesar de vivir en una vida en sombras).

El cine lo puede todo. Carlos filmo en su día la imagen de su difunta esposa antes de morir, y ahora ese fantasma está en su interior y lo llena de remordimientos. Solo en ese instante cuando este recupera las primigenias y amorosas imágenes familiares, convenientemente filmadas, y tras ver la cinta Rebeca como detonante, se produce el milagro, pues las mismas al cobrar vida recuperan la memoria feliz, que conduce a la redención y hacia una nueva epifanía de lo revivido (el cine como bálsamo de la vida o el cine y la vida como una misma cosa irrenunciable o el cine como la prolongación de la vida). Este es un honesto intento, por parte del realizador, de buscar intensidad poética, gracias a cierta tensión entre la imagen real y su trasmutación fílmica.

Mano de obra de David Zonana

MANO DE OBRA, de David Zonana, estrenará en San Sebastián

Mano de obra es un nada complaciente  retrato observacional sobre las diferencias sociales y de clase.

Lenta y minuciosamente se van desgranando los conflictos desgarrados, la insolidaridad y las venganzas. Inclusive la degradación de la clase marginada, cuyo tejido fraternal se diluye hasta el punto de perecer, víctima de sus propios egos.

Mano de obra es una cinta mesurada, que nunca promueve alegatos, demagogias discursivas, y evita en todo momento golpes bajos, subrayados y manipulaciones. Su austeridad y su precisión inquietante, junto a su cariz observacional, abren posibles interpretaciones.

Sinopsis: Francisco y un grupo de albañiles trabajan construyendo una lujosa casa en la Ciudad de México. Tras la muerte de su hermano en la obra, Francisco se entera que su cuñada, ahora viuda, no recibirá indemnización alguna por parte del dueño de la casa. El grupo de albañiles buscará justicia no solamente por la nula compensación, sino también por una vida llena de carencias, contrastes y opresión.

El verdugo de Luis García Berlanga

El verdugo (Luis García Berlanga, 1963) | CinEd
Un sayón reluctante: El verdugo, de Luis García Berlanga – Tiempo de Cine

a Jesús García de Dueñas

Un clásico moderno. A día de hoy el discurso de El verdugo sigue estando presente, sigue estando vivo, es cierto que mucho ha llovido desde el año 1963 –de aquellos tiempos de la dictadura-, pero algunos cambios que se han producido en esta democracia son un tanto superficiales. Sigue habitando el enchufismo. Es verdad no existe la pena de muerte, pero el código penal y sus reformas son cada vez más estrictos –la pena revisable-. El español sigue emigrando, huyendo de la crisis y no solo el proletariado –en los días actuales hasta los jóvenes formados emigran-. Seguimos teniendo un problema con la vivienda –la especulación, el estallido de la burbuja inmobiliaria-. A priori no ocurre nada cuando una madre soltera puede quedar embarazada, pero se aplican triquiñuelas para no dispensar la píldora del día después –los inquisidores coartan los derechos de las mujeres-

El verdugo es un alegato contra la pena de muerte. Un alegato valiente y necesario –inteligente- que sufrió las iras de los inquisidores –inquisidores como Sánchez Bella-.

El guión de El verdugo escrito por Azcona se inspira en el caso de la envenenadora de Valencia –en aquellos tiempos se había ajusticiado a Julián Grimau, Francisco Granados Mata y Joaquín Delgado Mata-.

El verdugo es también el retrato de tres desgraciados y de una sociedad que carece de oportunidades y progreso. Una sociedad determinada por el nacional catolicismo y el ejército.

El esperpento, lo zarzuelero –el sainete-, la picaresca; son señas de identidad de esta obra culmen de la historia del cine. Un retrato de un país egoísta, hipócrita y mezquino, pobre, autoritario, misógino…

El verdugo es un verdadero trabajo de orfebrería que busca sin duda la mayor precisión  con el mínimo de elementos posibles, y es desde sus diálogos inteligentes (sus juegos de palabras magistrales), hasta la configuración de la puesta en escena  (domina en esta la profundidad de campo, los sutiles a si mismo inteligentes gags visuales, la claridad expositiva), pasando por una ágil escritura de su argumento una obra mayor, que tiene bien presente una sonora reflexión sobre los perjuicios de clase y la muerte.

El robo del siglo de Ariel Winograd

El robo del siglo, de Ariel Winograd - Crítica - CINEMAGAVIA

Correcta, al tiempo efectiva, cinta de atracos basada en un caso real, ocurrido en el año 2006 en Buenos Aíres.

Su estructura narrativa está bien definida en tres actos (la cinta se torna atropellada en su último acto, mal resuelta), atendiendo a los caracteres clásicos de este tipo de género: preparación o plan del atraco, ejecución del mismo, consecuencias.

Los personajes, la interacción entre ellos, y el tono marcado y la eficacia de saber utilizar precisos dispositivos narrativos hacen de esta cinta un vehículo entretenido, pero algo rutinario, ya visto.

El robo del siglo no es un film complejo, es ligero, a tramos divertido.

Al acecho de Francisco D´ Eufemia

Al Acecho | “Al acecho”, thriller con Rodrigo de la Serna: reino animal |  VOS

Desconocemos prácticamente todo del protagonista, incluso cuáles son sus motivaciones. Su forma de moverse durante el trayecto de esta odisea es un tanto ambigua, y permanece de esta forma hasta el clímax final. En la duda permanecemos.

En Al acecho coexiste una disyuntiva moral que presenta los entornos naturales, selváticos, como si se tratasen de laberintos que tienen que ver con el presente de nuestro protagonista, con su forma de actuar. Este en cualquier instante puede resultar atrapado en un cepo.

En definitiva un tenso film abigarrado, enigmático, claustrofóbico, donde nada es lo que parece.

Supa Modo de Likarion Wainaina

Supa Modo' una mirada del cine tan lúcido como 'Cinema Paradiso'

La mejor manera de defendernos de la muerte insiste en el potencial de la imaginación y la creatividad como factores que nos ayudan a superar la adversidad, juntamente con la bondad y la alegría que todo ser humano desprende, y el sentido de la solidaridad de la comunidad.

Es, en definitiva, Supa Modo una cinta sencilla, honda y positiva, sin dobleces, ni subrayados. Un revulsivo nada complaciente, que a pesar de su trama evidentemente trágica, es capaz con ingenio de lograr un espacio que permite sobreponerse a la desdicha, defendiendo la vida, y en particular al cine, como trasmisor curativo de todo sentido de la inmortalidad.

El silencio del cazador de Martín Desalvo

Cine: Echarri y Amman, compartieron lauro a mejor actor en el Festival de  Málaga por un film rodado en Misiones - MisionesOnline

Desalvo consigue hábilmente combinar precisos elementos del thriller y el western con la clara y sutil intencionalidad de servirse de los mismos como cometido en labrar una narración de honda conflictividad humana y social, cuyo gradual crescendo dramático, suficientemente tensionado, nos conduce hacia un clímax último sangrante, sin perder de vista una verdad jamás frívola, siempre comprometida con la defensa de los derechos naturales de los espacios ecológicos y sus gentes.

2020: Festival de Málaga: Mejor actor (ex-aequo: Ammann y Echarri) y montaje.

Temblores de Jayro Bustamante

Temblores': Jayro Bustamante: "Muchos movimientos religiosos pintan al cine  como la voz del diablo" | El cine en la SER | Cadena SER

Una de las notas a tener en cuenta y  que todo espectador que ha visionado la cinta agradece es que a pesar de lo espinoso que pueda ser su trama, esta evita en su tratamiento, todo tremendismo, sobrexplicación, sobreactuación.

La cinta alcanza su máximo clímax trágico a través de sutiles señas afectivas, tiernas, íntimas, desgarradoras, desasosegantes, pavorosas, temerosas, horripilantes…

Esta es la historia de un hombre coaccionado por su propia fe y la exigencia de forcejear entre la necesidad de vivir una vida holgada o una verdad borrascosa.

Sinopsis: Guatemala, en la actualidad. Pablo es un “buen hombre”: un cristiano evangélico practicante, de 40 años y casado y con dos hijos. Pero un día Pablo se enamoró de Francisco y decidió abandonar a su devota familia evangélica. Sus familiares, sin embargo, ponen su fe y la familia por encima de todo y se aferran aun a la idea de poder “curar” a Pablo.