Un amor imposible de Catherine Corsini

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Existen ya algunas constantes temáticas dentro de la filmografía de la directora, que de alguna manera retornan en esta cinta, adaptación de una conocida novela francesa escrita por Christine Angot. Notemos algunas: la autopsia que se realiza del universo femenino, la pasión incontenible, la frustración, el abuso y la manipulación de las relaciones amoroso afectivas, la importancia de las clases sociales, la importancia del sexo y el paisaje como reverberación tanto de las diversas personalidades, como de la modulación de los puntos de inflexión de cada una de estas.

En esta ocasión, la temática feminista actúa como fondo dentro de una narración construida de manera elíptica, que va oscureciéndose con el tiempo. Un amor imposible es una narración relato de un conflicto entre una madre y su hija enamoradas ambas de manera diferente de una figura masculina nociva, al tiempo manipuladora, cuya presencia, también sombra, es alargada y destructiva (la madre siempre presente en el relato/ la hija como narradora conductora, en voz en off). El resultado, sin embargo, es un film sin apenas fuerza, a tramos un tanto previsible, a tramos obvio, carente de tensión, pese al buen hacer de los actores.

Sinopsis: A finales de los años 50, Rachel, una modesta oficinista de la pequeña ciudad de Châteauroux, conoce a Philippe, un joven brillante de familia burguesa. De este romance breve e intenso nace la pequeña Chantal, pero Philippe se niega a casarse fuera de su clase social. En adelante sus vidas serán moldeadas por el amor incondicional entre una madre y su hija, eclipsada por el amor imposible de una mujer por un hombre que la rechaza, y de una hija por un padre ausente y abusivo.

L de Babis Makridis

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Ópera prima del realizador. Una propuesta excéntrica, física, de minimalista espíritu absurdo; beckettiano –las situaciones refuerzan la comicidad-. Un mundo desolado, ruinoso, reflejo de una sociedad. Diálogos desnaturalizados. Humor extraño, ennegrecido, críptico, que se revela desolador –más efectiva esta intencionalidad que reflejar el realismo que acontece a una sociedad en crisis-. Se suceden más bien enumeraciones dentro de precisas unidades que han sido seleccionadas con precisión, planos de igual modo precisos, una estética nada redundante permanentemente congelada.

Un hombre fuera del mundo. Mira con distancia el mundo. Abandona el hogar, trabaja como chofer, también es trasportista, vive en un coche. A su alrededor transitan las criaturas autistas, marginados por decisiones propias, construyen una especie de rituales, si es posible lúdicos; su tiempo, el que emplean componen canciones inventadas, extrañas coreografías, instauran un mundo de pequeños organismos, localizan espacios alternativos, periféricos, lugares porque no secretos,  dando la espalda a una especie de representación real de la realidad; desarrollan en estos comportamientos extraños, extravagantes, inaceptables para el resto –incluso para el espectador atento-

Apolo 11 de Todd Miller

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Se cumplen estos días cincuenta años de la llegada del hombre a la luna. Aquella odisea es hoy del todo conocida, sin embargo el documentalista consigue reconstruir aquel acontecimiento como si se tratase de un relato en tiempo presente. Consigue, y no es fácil, que el espectador consiga involucrarse, al tiempo emocionarse y siga aquella misión tan lejana, como si se tratase de un acontecimiento, que se vive de manera inmediata.

Gracias a un preciso montaje (nos encontramos con una experiencia inmersiva única de imagen y sonido) la narración se articula desde distintos y múltiples puntos de vista (técnicos de la Nasa, astronautas, el público que sigue la misión con habido interés). También la pantalla se fracciona para obtener numerosas perspectivas. Se evita, por ejemplo, todo tipo de entrevistas, además de un narrador en off.

El documentalista se ha valido de imágenes en archivo reconocibles, pero también de material nunca antes visto aportado por la Nasa, material rodado por los propios astronautas en el interior de la nave (16mm), material grabado en video desde las propias cámaras incorporadas en la nave y otras grabaciones diversas. Todas esas imágenes han sido convertidas a un formato de 4 K y cinescopadas finalmente en 70 mm (tenemos la sensación de verlas por primera vez, como si estuvieran siendo capturadas en este preciso momento). Ayuda además todo tipo de grabaciones sonoras, que han sido minuciosamente incorporadas.

2019: Festival de Sundance: Premio Especial del Jurado – Documental

Red´s Dream de John Lasseter

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Una noche de lluvia, una calle cualquiera, una ciudad que existe, no importa su nombre, una cámara se centra en una tienda de bicicletas, traspasa el ventanal, no deja de sonar una balada triste de jazz, busca en el último rincón, un monociclo sueña, no deja de soñar, trabajar con un payaso en un circo –un número nunca visto-, demostrar para lo que sirve, o fue hace tiempo cuando tuvo su minuto, el ayer.

Pieza de animación crepuscular. Reseñable la humanización de los objetos, buscando la expresividad, y la perfecta sincronía entre los movimientos de las figuras –siempre suaves- y e l sonido.

El hijo de David Yarovesky

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La historia podría pasar por ser el reverso tenebroso de los orígenes de Superman.

El resultado es un film errático, además previsible, incluso reiterativo, que intenta encontrar un espacio propio, conjuntando diversos géneros. Los indicios malsanos se van desvaneciendo y la acumulación de sobresaltos se convierte en su enseña.

Rocketman de Dexter Fletcher

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Musical basado en la vida del genial cantante y compositor Elthon John.

El canto y el baile es una excusa que sirve para reseñar el paso de un acontecimiento relevante a otro, de tal modo que solo enaltece los instantes cruciales, eliminando si es posible todo indicio de lo ordinario.

Rocketman, en definitiva, es un convencional y liviano biopic, nada inspirado (falsamente dramatizado), que más bien sigue los trillados esquemas de un biografiado; auge, caída, redención.