Otzi, el hombre de hielo de Félix Randau

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El director alemán ha tratado de recrear la vida de Otzi (cuya momia fue hallada en los años noventa en los Alpes), a partir de su muerte violenta, según los especialistas consultados.

El resultado es una cinta de aventuras un tanto endeble, previsible, aquejada de tópicos. Tanto los gestos, como los detalles resultan cuanto menos impostados, aunque si es cierto que al director le importa el instante, ese ahora, el momento, pero la narración funciona de manera dispersa, a base de una sucesión de golpes de efecto. Todo resulta grandilocuente, falso, manipulado, no existe un fluir naturalista de la acción.

Berlín sinfonía de una ciudad de Walter Ruttmann

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Una sinfonía, la vida y sus gentes, latente la vida, una ciudad, Berlín años 20. Una realidad tensada por una sinfonía musical  distribuida por bloques que son temáticos, sin duda rítmicos –cada acto tiene su propio ritmo-

La acción diegética del presente trabajo se desarrolla a lo largo de casi 24 horas. No solo se trata de tomar el pulso a una ciudad, el retrato de una ciudad, sino de mostrar con toda complejidad las concentraciones abigarradas de los seres humanos, en otros tramos existen una ausencia de los humanos –un tren parte de los extrarradios se precipita a gran velocidad sobre la ciudad que aun se está desperezando. Una secuencia impactante, poética sin saberlo, fascinante, hipnótica en todo caso, realizada por un montaje vigoroso que se aproxima al montaje soviético, trepidante. Esto ocurre en el primer bloque. Existen a lo largo del metraje tantos juegos con la imagen, tantos encuadres como efectos, tantos movimientos de cámara, cientos de imágenes, cientos de rostros, la ciudad en la modernidad, también como alienación, nada viene a ser individual, la modernidad convive con la industrialización, es el tiempo de entreguerras-

En un segundo bloque la ciudad se despereza, puertas, persianas, también ventanas se abren. Los ciudadanos urbanitas salen a la calle, su vida empieza como cada día. Esta es una sinfonía imparable, no se interrumpe la vorágine, la concentración de los seres humanos que van y vienen. Todo un éxtasis del movimiento, el ritmo frenético casi hipnótico –tantas configuraciones, como ritmos-, sin embargo todo parece interrumpirse a la hora de la comida, llega entonces el descanso, el descanso en las fábricas, el descanso siempre el descanso, la desigualdad se cuela como metáfora, existe la desigualdad entre las clases sociales –el realizador aprovecha ese tempo de reposo para mostrar con toda imperiosa necesidad esa  cuestión-. Tras la pausa la vorágine de nuevo, reanudar la faena, volver a la jornada laboral –existen también los ociosos, imágenes que se intercalan en mitad del caos-. Al final de la jornada, la concentración humana conquista las tabernas, los cabarets, las bailarinas, los bailes, la seducción de unos luminosos anuncian la noche-

In den Gängen de Thomas Stuber

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Se trata de un trabajo que nos habla sobre la problemática de la soledad que sufren los individuos, la alienación laboral que encubre un argumento principal que acoge apuntes románticos, pero que es fagocitada por unos intervinientes o personajes complementarios, a los que el director brinda toda su atención.

Más acertada en retratar ese microcosmos que se desarrolla en el interior del supermercado.  Las situaciones dramáticas que acontecen en el exterior están forzadas.

Adaptación de un relato escrito por Clemens Meyer.

2018: Festival de Valladolid – Seminci: Espiga de Plata y Sociograph Award.

En tránsito de Christian Petzold

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Los espectros circulan por la escena. En su transitar irrumpen en las tramas. Se ubican en contextos históricos que son precisos, incluso alteran el sentido final que tiene una narración. La cinta además es una historia de encuentros y desencuentros, de amores y fugas.

Acepta la cinta de buen grado un enroque temporal. La novela original escrita por Anna Seghers se situaba durante la época de la Francia colaboracionista de Petain y la pronta ocupación nazi. El director alemán, sin embargo, sitúa la acción en la Francia actual (concretamente en Marsella), sugiriendo metafóricamente y de manera mordaz que estos tiempos son también de persecución de disidentes (refugiados), al igual que ocurrió entonces. Desde luego, y sin saber por qué, los anacronismos son válidos. El pasado y el presente se conjugan (una voz en off, vocacionalmente literaria, nos traslada a una versión de la historia contagiada de romanticismo). El espectador toma como algo natural ésta azarosa yuxtaposición temporal, y nos dejamos seducir por lo que le ocurre al protagonista y su peso emocional (esto ocurre gracias a una hábil y diestra y ágil y capacitada forma narrativa). Su artificio narrativo, en definitiva, puramente conceptual se desarrolla en diversos estratos. Estos conviven en armonía, también se contaminan unos a otros.

En esos territorios de limbos suspendidos,  donde habitan los personajes, resulta deslumbrante descubrir  el entramado de los destinos, que se cruzan (usa convenientemente los recursos y las figuras del melodrama para narrar como es ese purgatorio, en el que tantos refugiados, como perseguidos políticos, como desheredados sociales existen en estos tiempos, y como estos también fueron aquellos otros, en esos otros tiempos).

 

 

 

 

En tiempos de luz menguante de Matti Geschonneck

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Adaptación de la novela homónima de Eugen Ruge.

A diferencia de la expansiva novela que transita a lo largo de varias décadas, la acción trascurre durante el cumpleaños de Wilhem, a punto de cumplir noventa años. La carga metafórica adquiere todo su vigor, gracias a toda una serie de elementos claves que se congregan alrededor de Wilhem (un patriarca que contribuyó a construir un sistema socialista, que ahora se está desmoronando).

La cinta nos habla no solo del desmoronamiento de un sistema, sino del machismo persistente que anula a la mujer, de las contradicciones ideológicas de un sistema, de las frustraciones no solo de índole política sino de las personales (intimas), del oportunismo, de la autoconstrucción de una imagen pública…

El capitán de Robert Schwentke

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Sinopsis: En los últimos momentos de la II Guerra Mundial, en plena caída del III Reich, un soldado de 19 años, andrajoso y hambriento, roba el uniforme de un capitán nazi. Haciéndose pasar por un oficial, reúne a un grupo de desertores y comienza a matar y saquear a su paso a través de la golpeada Alemania nazi, descubriendo la monstruosa identidad de aquellos de los que trata de escapar.

La cinta se eleva como una metáfora que alcanza nuestros días ¿Cómo es posible que entre las oscuras brumas de la memoria europea aún siga perfilándose el monstruo totalizador?

El capitán se inicia como una narración picaresca que va degradándose cual pesadilla, manteniéndose dentro de un tono perturbador. Sin embargo, lo demoniaco que habita en la caracterización de un personaje protagónico común y su posterior maléfica trasformación viene a constituirse como un espectáculo dantesco, confundiéndose toda profunda lectura con un deseo exacerbado, también explícito, de mantener y dilatar el desarrollo de lo excéntrico por encima de lo reflexivo.

2017: Festival de San Sebastián: Mejor fotografía.

Anon de Andrew Niccol

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Cinta noir saturada de tópicos, ubicada en un futuro no muy lejano.

Una vez planteada la anémica y fría acción de la trama, carente de intriga y de emociones (y de escenas de acción), poco nos importa la resolución del caso (además este se dilata temporalmente), ni siquiera nos interesamos por el desenlace. Film visualmente atractivo, pero nulo de interés.

Sinopsis: Ambientada en un mundo futuro en el que no existe el anonimato ni el crimen, un detective se encuentra con una mujer que amenaza su seguridad.