Hitler´s Hollywood de Rüdiger Suchsland

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Tras las dosis de jovialidad convulsa (histérica) se esconde la perturbación y la demencia, la enajenación,  la manipulación y el racismo, la aniquilación de la voluntad, el exterminio. Esta idea reforzada discurre en todas y cada una de las producciones cinematográficas realizadas durante el periodo nazi, que aún rallando el ridículo esteticista más manifiesto, abocaban masivamente, sin embargo, al espectador a una interesada lectura repugnante y hostil y degradante del ser, hasta el punto de conseguir esterilizarle, manipularle en sus emociones, a través no solo del bombardeo constante y sistemático de los argumentos (y sus mensajes)y los diálogos, sino de las grandilocuentes composiciones de las imágenes y el montaje (reforzantes de dichos discursos), hasta conseguir, finalmente, ser anulado, para más tarde colocar en su mente lobotomizada una idea unidireccional. Una vez anulada la voluntad, el holocausto estaba cerca.

La propaganda se manifestaba tanto a través de los noticiarios como de las llamadas cintas de género. El patriotismo, los gustos necrófilos, el antisemitismo declarado (y la llamada solución final como exterminio), lo grandilocuente y el regusto por el cuerpo ario y su superioridad (la grandilocuencia de las imágenes superpuestas con carácter simbólico, por ejemplo) dominaba el ideario de la producción cinematográfica.

Este documental es un exhaustivo trabajo de investigación, en forma de ensayo, sobre las más de mil cintas producidas durante el periodo nazi. Un cine concebido para perpetrar y perpetuar la barbarie.

Viento de libertad de Michael Herbig

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Todo ocurrió en 1979. Dos familias cruzaron en globo el muro de Berlín, desde la Alemania Oriental comunista hacia la Alemania democrática. Disney ya nos había narrado esta historia real en los años ochenta (ver Fuga de noche). Es ahora la cinematografía alemana, quien toma el testigo.

El principal problema no está tanto en la narración, sino en su enfoque, también en su contexto. Los interrogantes se acumulan, no hay espacio para un acertado desarrollo de personajes, ni siquiera se nos clarifica el por qué, ni cuál es el estado interior de los mismos, ni sus condicionantes externos, ni por qué el muro les coacciona no solo como espacio físico determinante. En definitiva, se ausenta todo razonamiento. Se ausenta tanto el desarrollo de los temas que alude, como de los subtextos pertinentes.

Por otro, el film se basa exclusivamente en acumular una larga serie de situaciones, caracterizadas por una tensión un tanto episódica, lo que resta fuerza al conjunto.

Otzi, el hombre de hielo de Félix Randau

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El director alemán ha tratado de recrear la vida de Otzi (cuya momia fue hallada en los años noventa en los Alpes), a partir de su muerte violenta, según los especialistas consultados.

El resultado es una cinta de aventuras un tanto endeble, previsible, aquejada de tópicos. Tanto los gestos, como los detalles resultan cuanto menos impostados, aunque si es cierto que al director le importa el instante, ese ahora, el momento, pero la narración funciona de manera dispersa, a base de una sucesión de golpes de efecto. Todo resulta grandilocuente, falso, manipulado, no existe un fluir naturalista de la acción.

Berlín sinfonía de una ciudad de Walter Ruttmann

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Una sinfonía, la vida y sus gentes, latente la vida, una ciudad, Berlín años 20. Una realidad tensada por una sinfonía musical  distribuida por bloques que son temáticos, sin duda rítmicos –cada acto tiene su propio ritmo-

La acción diegética del presente trabajo se desarrolla a lo largo de casi 24 horas. No solo se trata de tomar el pulso a una ciudad, el retrato de una ciudad, sino de mostrar con toda complejidad las concentraciones abigarradas de los seres humanos, en otros tramos existen una ausencia de los humanos –un tren parte de los extrarradios se precipita a gran velocidad sobre la ciudad que aun se está desperezando. Una secuencia impactante, poética sin saberlo, fascinante, hipnótica en todo caso, realizada por un montaje vigoroso que se aproxima al montaje soviético, trepidante. Esto ocurre en el primer bloque. Existen a lo largo del metraje tantos juegos con la imagen, tantos encuadres como efectos, tantos movimientos de cámara, cientos de imágenes, cientos de rostros, la ciudad en la modernidad, también como alienación, nada viene a ser individual, la modernidad convive con la industrialización, es el tiempo de entreguerras-

En un segundo bloque la ciudad se despereza, puertas, persianas, también ventanas se abren. Los ciudadanos urbanitas salen a la calle, su vida empieza como cada día. Esta es una sinfonía imparable, no se interrumpe la vorágine, la concentración de los seres humanos que van y vienen. Todo un éxtasis del movimiento, el ritmo frenético casi hipnótico –tantas configuraciones, como ritmos-, sin embargo todo parece interrumpirse a la hora de la comida, llega entonces el descanso, el descanso en las fábricas, el descanso siempre el descanso, la desigualdad se cuela como metáfora, existe la desigualdad entre las clases sociales –el realizador aprovecha ese tempo de reposo para mostrar con toda imperiosa necesidad esa  cuestión-. Tras la pausa la vorágine de nuevo, reanudar la faena, volver a la jornada laboral –existen también los ociosos, imágenes que se intercalan en mitad del caos-. Al final de la jornada, la concentración humana conquista las tabernas, los cabarets, las bailarinas, los bailes, la seducción de unos luminosos anuncian la noche-

In den Gängen de Thomas Stuber

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Se trata de un trabajo que nos habla sobre la problemática de la soledad que sufren los individuos, la alienación laboral que encubre un argumento principal que acoge apuntes románticos, pero que es fagocitada por unos intervinientes o personajes complementarios, a los que el director brinda toda su atención.

Más acertada en retratar ese microcosmos que se desarrolla en el interior del supermercado.  Las situaciones dramáticas que acontecen en el exterior están forzadas.

Adaptación de un relato escrito por Clemens Meyer.

2018: Festival de Valladolid – Seminci: Espiga de Plata y Sociograph Award.

En tránsito de Christian Petzold

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Los espectros circulan por la escena. En su transitar irrumpen en las tramas. Se ubican en contextos históricos que son precisos, incluso alteran el sentido final que tiene una narración. La cinta además es una historia de encuentros y desencuentros, de amores y fugas.

Acepta la cinta de buen grado un enroque temporal. La novela original escrita por Anna Seghers se situaba durante la época de la Francia colaboracionista de Petain y la pronta ocupación nazi. El director alemán, sin embargo, sitúa la acción en la Francia actual (concretamente en Marsella), sugiriendo metafóricamente y de manera mordaz que estos tiempos son también de persecución de disidentes (refugiados), al igual que ocurrió entonces. Desde luego, y sin saber por qué, los anacronismos son válidos. El pasado y el presente se conjugan (una voz en off, vocacionalmente literaria, nos traslada a una versión de la historia contagiada de romanticismo). El espectador toma como algo natural ésta azarosa yuxtaposición temporal, y nos dejamos seducir por lo que le ocurre al protagonista y su peso emocional (esto ocurre gracias a una hábil y diestra y ágil y capacitada forma narrativa). Su artificio narrativo, en definitiva, puramente conceptual se desarrolla en diversos estratos. Estos conviven en armonía, también se contaminan unos a otros.

En esos territorios de limbos suspendidos,  donde habitan los personajes, resulta deslumbrante descubrir  el entramado de los destinos, que se cruzan (usa convenientemente los recursos y las figuras del melodrama para narrar como es ese purgatorio, en el que tantos refugiados, como perseguidos políticos, como desheredados sociales existen en estos tiempos, y como estos también fueron aquellos otros, en esos otros tiempos).

 

 

 

 

En tiempos de luz menguante de Matti Geschonneck

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Adaptación de la novela homónima de Eugen Ruge.

A diferencia de la expansiva novela que transita a lo largo de varias décadas, la acción trascurre durante el cumpleaños de Wilhem, a punto de cumplir noventa años. La carga metafórica adquiere todo su vigor, gracias a toda una serie de elementos claves que se congregan alrededor de Wilhem (un patriarca que contribuyó a construir un sistema socialista, que ahora se está desmoronando).

La cinta nos habla no solo del desmoronamiento de un sistema, sino del machismo persistente que anula a la mujer, de las contradicciones ideológicas de un sistema, de las frustraciones no solo de índole política sino de las personales (intimas), del oportunismo, de la autoconstrucción de una imagen pública…