Marilyn de Martín Rodríguez Redondo

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Desde los primeros compases del film (basado en hechos reales) desciframos, inmediatamente, que habita la hostilidad y la represión hacia Marcos. Esa hostilidad no solo procede de su entorno familiar, sino de la sociedad que lo rodea. Sus profundos deseos, su identidad se ve constantemente cercenada, no solo es testigo, sino que es protagonista de acontecimientos trágicos, impulsados por la diferencia de clases y de los perjuicios sociales hacia los diferentes, y que siempre son resueltos con violencia.

En sus inicios va surgiendo de modo intenso un crescendo dramático, sin embargo hacia la mitad del metraje algo ocurre, y el director va desatendiendo todo pulso narrativo, y la tragedia va perdiendo fuerza. Lo anecdótico y superfluo se apodera de una trama que va progresivamente deshilvanándose.

La reina del miedo de Valeria Bertuccelli, Fabiana Tiscornia

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La reina del miedo resulta ser un retrato femenino, un tanto autocomplaciente, de una actriz, que pasa por una crisis tanto creativa, como personal.

Las directoras concentran su atención en los hechos de la vida cotidiana, en los detalles de la vida corriente: las inseguridades que atenazan a la protagonista, la incapacidad de resolver los conflictos, la invalidez de solucionar los problemas. Robertina vive en constante confusión.

Quizás la trama se ve preñada, en su escritura, de esta indefinición. El trayecto resulta, cuanto menos, titubeante, zigzagueante. Nada parece concretizarse. La ansiedad, la crispación, los anhelos, las fobias, los caprichos, las contradicciones (las idas y venidas de un lugar a otro), lo impredecible, la fragilidad. Todo parece determinar a Robertina.

La cinta está en constante movimiento. Robertina se encuentra en fuga continua. Esta desesperada, no encuentra su lugar, pese a tratar de recuperarlo.

Es reseñable la delicadeza en como la cinta pasa de un tono a otro, con total naturalidad.

2018: Festival de Sundance: Premio Especial del Jurado – Actuación (Bertuccelli)

2018: Festival de Málaga: Mejor actriz (Bertuccelli)

 

 

 

Familia sumergida de María Alché

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Familia sumergida camina por difíciles meandros de desconcierto y confusión, pero también de extraña armonía. También bascula, la propuesta, entre lo desordenado y la oquedad, entre el desasosiego y la lucidez. El silencio por la pérdida del ser querido difiere del desorden y el bullicio, que habita dentro del hogar. La cinta parece adquirir un carácter naturalista. La cámara se concentra finalmente, exclusivamente en Marcela.

Sin embargo, a medida que pasan minutos de metraje, ese naturalismo inicial va derivando en situaciones de índole metafísica, preñada de onirismo y surrealidad, sin abandonar una problemática existencial, incluso llegamos a percibir cierta pérdida de la noción espacio temporal.

Sinopsis: El mundo de Marcela se vuelve extraño y frágil luego de la muerte de su hermana Rina. Se siente perdida en su propia casa y las conexiones con su entorno cercano familiar están dislocadas. A su casa llega Nacho, un joven amigo de la hija, a quien le cancelaron un viaje de trabajo, y juntos comparten conversaciones y paseos. Marcela recibe un llamado de un pariente distante por una reunión, mientras en su casa mantiene diálogos con parientes de otra dimensión.

 2018: Festival de San Sebastián: Premio Horizontes (Mejor película latinoamericana)

La quietud de Pablo Trapero

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Todo comienza como un relato intimista radicado en la feminidad. Sin embargo, su trayecto va lentamente, y de manera sorpresiva (exaltada), encontrando diversas implicaciones de índole social, histórica, incluso política, que bien se suman a las relaciones familiares.

La quietud es una cinta perturbadora, inquietante (no solo en lo temático, sino en lo visual), desenfrenada a tramos, “tal vez inverosímil en otros”, corrosiva constantemente, a un tiempo frívola pero trágica; sin lugar a dudas.

Ché, un hombre nuevo de Tristán Bauer

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Lo novedoso de este documento a modo de hagiografía descansa en la documentación inédita sobre la figura del Ché –visual, audiovisual, material escrito-, varios de sus cuadernos –sobretodo aquellos escritos por el guerrillero argentino en fechas cercanas a su fusilamiento por parte de las tropas bolivianas en 1967, justo en la localidad de La Higuera, donde viene a demostrarse la febril actividad intelectual que mantuvo hasta el fin de sus días a pesar de todos los inconvenientes, manteniéndose coherente con sus ideales-

El documento por tanto opta cronológicamente por guiar al espectador –utilizando una voz conductora en off, que alterna con una lectura interpretativa de los textos a cargo de Rafael Guevara- a través de los propios textos del Ché, desde su infancia, sus diarios de viaje, su experiencia revolucionaria junto a Fidel, su instancia en África, su labor como embajador y sus discursos en la ONU, su vertiente íntima, familiar, literaria, política y revolucionaria….

El resultado es un documento subjetivo, no falto de interés, que reclama la utopía del hombre nuevo, aunque pasa por alto todo aspecto critico.

Las grietas de Jara de Nicolás Gil Lavedra

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¿Qué se oculta tras lo aparente? La grieta viene a ser una sutil metáfora de lo que se quiere ocultar y que más tarde o más temprano todo lo sucedido tiende a salir a la luz. Nos encontramos ante una sociedad hipócrita que va descomponiéndose moralmente. Estas son algunas enseñas que prevalecen en la literatura de Claudia Piñeiro y que el director ha tratado de llevar a la pantalla, basándose en el texto de la misma.

Las grietas de Jara más bien parece una anécdota alargada que una narración bien desarrollada, tensionada. Todo ese fluir parece forzado. Los personajes más bien resultan estereotipos y sus diálogos ineficaces. Apenas existe misterio, lo sugerente se ausenta y es sustituido por la sobre explicación. El origen policiaco de la propuesta y su resolución se torna en relato costumbrista.

Rojo de Benjamín Naishtat

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Dos primeras escenas ya nos sorprenden en el arranque del film. En la primera observamos como unos vecinos vacían el interior de una casa (mostrada con un plano fijo). En la segunda se desarrolla una discusión. Ambas son completamente opuestas, pero son intensas, incluso intrigantes, conflictivas ambas según vaya desvelándose el trayecto de la cinta.

Rojo es una historia coral. Una meticulosa y estremecedora estampa de un tiempo. Un tiempo impiadoso, de mirada intrigante, incomoda, acechante, degradante, humilladora. Degradaciones que con el tiempo edificaron y sostuvieron la dictadura militar.

En el argumento se integran perfectamente el absurdo, las atmosferas intrigantes del thriller psicológico, el melodrama familiar, en menor medida el musical.

La cinta evita aleccionarnos, evita los subrayados innecesarios. Nos trasmite a partir de delicados detalles, inteligentes observaciones. Todas ellas minuciosas gracias a una ingeniosa utilización de  elementos visuales, también sonoros y de iluminación, que nos ponen dentro de un contexto.

Rojo sostiene una compleja estructura narrativa. Esta va girando por distintos acontecimientos en escenarios y tiempos precisos, todos estos ligados a la vida de Claudio.

2018: Festival de San Sebastián: Mejor director, Actor (Grandinetti) y Fotografía.