Girl de Lukas Dhont

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¿Cómo abordar el tema de la transexualidad? En este caso la representación de la transexualidad propone como opción los cambios físicos y el cuerpo como alocución central. Es por tanto el propio cuerpo, ese campo de batalla propicio para alcanzar no solo la aceptación, sino también el requerido reconocimiento. También el cuerpo es víctima y también verdugo de la problemática, que le ocurre a nuestra protagonista.

Delinea el director su puesta en escena poniendo toda su energía en las heridas físicas del cuerpo y como filmarlo (este se resiste a cambiar), y por otro deteniéndose en el estado psicológico de la protagonista (es importante el tratamiento de lo omitido que elude completamente el pasado).

Toda esa fisicidad debe ser trasmitida mediante el lenguaje del cine. En esta caso, la posición de la cámara, el sonido, el montaje, la incidencia de la luz, la armonía, la mecánica del movimiento. Lo importante es lo físico y como este prevalece sobre la palabra y los hechos, por supuesto sobre el relato.

La danza es un componente tanto estabilizador como lo contrario, puede buscarse el equilibrio o todo lo contrario. Toda esta idea va manifestándose teniendo en cuenta el estado interior del personaje y por supuesto claro está, va expresándose visualmente (desesperación, desconcierto).

Sinopsis: Lara es una chica de 15 años, que nació siendo niño y sueña con convertirse en bailarina. Nuestra protagonista quiere ser bailarina, al mismo tiempo se siente mujer (es mujer dentro de un cuerpo que no es el suyo)

2018: Cannes: Un Certain Regard: Mejor actuación, ópera prima y FIPRESCI

2018: Festival de San Sebastián: Premio del Público a la mejor película europea

 

 

Alma mater de Philippe Van Leeuw

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Propuesta  claustrofóbica. La cinta transcurre en un escenario único (cerrado). Lo que acontece fuera de campo (exterior) subraya un alto valor psicológico, que acrecienta aún más lo trágico, incidiendo mayormente en la gravedad palpable de las imágenes y la veraz tensión creciente que sufren nuestros personajes en el interior del hogar, abocándolos a rápidas y complejas decisiones (la importancia de los sonidos exteriores y la graduación lumínica interior refuerza toda la tragedia).

Sinopsis: Oum Yazan, madre de tres hijos, atrapada dentro de su casa en una ciudad sitiada, convirtió su apartamento en un puerto seguro para su familia y vecinos, tratando de protegerlos de la guerra. Cuando las bombas amenazan con destruir el edificio, los francotiradores convierten los patios en zonas mortales, y los ladrones entran a reclamar sus terribles recompensas, mantener el equilibrio de la rutina dentro de las paredes se convierte en una cuestión de vida o muerte.

2017: Festival de Berlín: Premio del Público (Sección Panorama)

2017: Festival de Copenhague: Premio del Público

2017: Festival de Sevilla: Premio del Público

La fille inconnue de Jean Pierre y Luc Dardenne

La filmografía de los hermanos Dardenne en su conjunto es honesta. Su integridad, sin lugar a dudas, necesaria. Este, su último, trabajo vuelve a serlo. Su mirada descansa en la raíz esencial de los graves problemas que afectan a estos tiempos. Su puesta en escena depurada. Su ética cívica incuestionable.

La fille inconnue es una cinta porosa. Va abriéndose sin temor, de manera serena y sensible, sin renunciar al rigor de su estructura ni de su apuesta formal.

Sinopsis: Una noche, después del cierre de su consultorio, Jenny, joven médico generalista, escucha el timbre, pero no va a abrir. Al día siguiente, se entera por la policía de que han encontrado, no lejos de allí, a una joven muerta, sin identidad.

Acompañamos a nuestra protagonista en ese itinerario. Sabemos que ha renunciado a un cargo importante. Prefiere sus consultas como médico de cabecera. Cierto hecho  (como hemos dicho con anterioridad) provoca en ella cierto sentimiento de culpa. Comienza a investigar cual es la identidad de la asesinada cerca de su consulta. El itinerario seguido por la protagonista (Jenny) y las realidades que encuentra van gradualmente abriéndose paso. Las disecciones sociales de esas realidades se nos revelan claramente. Las sangrantes heridas, que nunca ven la luz, de esta Europa salvaje del capital afloran: la explotación sexual que sufren los emigrantes, la mala conciencia de los ciudadanos que participa de esa explotación, la segregación de los oprimidos. Todas y cada una de estas cuestiones, como hemos dicho, afloran en el discurrir de la historia. Los personajes de esta cinta no son meros pretextos. Nuestros personajes rezuman verdad. Los retratos trazados de los mismos, complejos. La culpa se proyecta dentro de una sociedad laica.

Después de nosotros de Joachim Lafosse

Sinopsis: Después de 15 años juntos, María y Boris se separan. Ella fue quien compró la casa en la que vive con sus dos hijas, pero fue él quien la ha reformado completamente. Ahora se ven obligados a vivir juntos allí, ya que Boris no tiene los medios para pagarse un alquiler. A la hora de hacer cuentas ninguno de los dos quiere dejar de lado lo que considera haber aportado.

Después de nosotros nos habla de graves cuestiones, todas ellas sin posibilidad de solución posible. Problemáticas que sacuden evidentemente la vida diaria de este matrimonio y de sus hijas comunes. El realizador radiografía la complejidad de una relación, en la que la falta de deseo no termina de arrancar de raíz el aprecio (ni otros vínculos directos) que todavía une a nuestros protagonistas.

La presente cinta tiene un tratamiento elíptico claro. Todo en ella es coherente y realista. No habita en ella lo hiperbólico. Se consigue evitar posibles maniqueísmos en todas y cada una de las contradicciones posibles que van saliendo a la palestra, y que se dan cita en medio de una difícil coyuntura, como la que se nos describe. La mirada adoptada es tan lúcida, tan amplia como equilibrada en el reparto de las responsabilidades. Nunca en la cinta se eluden las situaciones problemáticas. El pudor se impone de manera elogiable. El tremendismo se ausenta.

La cinquième saison de Peter Brosens, Jessica Woodworth

Son estos tiempos de barbarie. Son estos tiempos que anuncian masacres, exterminios. Son estos tiempos los que inventan enemigos a quien culpar sin razones; acoso al inmigrante, acoso a los desvalidos del mundo…

Esta cinta es la tercera entrega de una trilogía dirigida por Peter Brosens y Jessica Woodworth (ver Khadak y Altiplano). En el presente trabajo se habla sobre las relaciones humanas, la naturaleza, y por supuesto el entorno, pero acabamos reflexionando sobre la tragedia, la crueldad que se viene a instaurar en los códigos sociales cuando un colectivo se ve asfixiado por los accidentes agravantes ya sean económicos, naturales también (caso de la cinta).

La tierra es devoradora. La tierra está seca, las vacas mugen y no dan leche, los gallos enmudecen y nadie sabe por qué…. El pueblo debería permanecer unido, solidario, de ninguna manera esa unidad solo se consigue bajo los influjos malignos. El pueblo busca un culpable, acusa a un culpable que es inocente al que hostigar, al que sacrificar si se quiere calmar la supuesta ira del Dios –ni existe la caridad, ni existe la piedad, ni existe la justicia social, solo existe el exterminio-

Esta cinta es en un principio una propuesta desconcertante, también absurda en los primeros tramos, pero que se va abriendo a la tragedia. Esa comunidad rural con sus tradiciones parece amable. Los realizadores enclaustran a sus personajes en bellos encuadres entre lo bucólico pero también entre lo que es sagrado subrayando un idílico universo fuera del tiempo. Pero es cuando el invierno deja paso a esa quinta estación (título de la película), ese artefacto se oscurece y ese pretendido surrealismo inicial que apuntábamos deja paso a una devastadora tragedia que corta toda sonrisa, el pueblo en realidad es un universo agresivo instigando maldad siempre a punto de arremeter contra el otro hasta despedazarlo.

 

Bullhead (Rundskop) de Michael R. Roskam

Thriller rural con un personaje trágico como catalizador de la tragedia. Los mecanismos propios del género el realizador belga los hace funcionar, sin olvidarse en ofrecernos un retrato veraz de la geografía humana de su nación, desde luego incluyendo su vertiente sociolingüística –el monolingüismo de los Valones, por ejemplo es motivo de burla, la pareja de mecánicos francófonos funciona como un dúo cómico dentro de una cinta trágica, la historia de amor imposible tiene como protagonistas a un flamenco y una valona, pero en este caso el idioma no viene a ser frontera-

Los personajes se desenvuelven dentro de una estructura mafiosa, determina no solo su trabajo sino su relación con lo legal. Habita de igual modo una jerarquía perfectamente bien construida donde el poder siempre se impone a lo justo- Jackie, nuestro protagonista, viene a ser víctima de este sistema ya desde niño; por ejemplo tras sufrir éste un ataque violento en su niñez, nadie persiguió al responsable de los tristes hechos; la cinta entrelaza el relato en tiempo presente con los flashbacks sobre el pasado de Jackie, por tanto aquel hecho marca su carácter, lo determina, un muchacho que perdió violentamente su inocencia, ese pasado generó en él una herida sangrante que nunca supura, Jackie desde entonces es un ser silencioso-

El realizador filma la carne sin pudor alguno, igualmente lo hace con los personajes, no hay diferencia alguna entre la carne humana, y la animal, ambas son víctimas del maltrato y la mutilación, ambas son puestas en venta, tratadas con hormonas- el cuerpo musculado de Jackie confiere una dimensión trágica, es un cuerpo doliente, desparramado, que marca el destino de su propia tragedia-

Argumento. Se centra en Jacky Vanmarsenille, un joven ganadero que entabla relación con un veterinario sin escrúpulos que le propone un pacto poco ortodoxo con un comerciante de ternera de la región flamenca del país. El asesinato de un policía federal y la confrontación con un oscuro secreto de su infancia, pondrán en marcha una cadena de acontecimientos de gran alcance

Dos días y una noche de Luc y Jean Pierre Dardenne

Sinopsis. Sandra dispone sólo de un fin de semana para ir a ver a sus colegas y convencerlos de que renuncien a su paga extraordinaria para que ella pueda conservar su trabajo. Su marido la acompaña para apoyarla

Cierto día Sandra…. su odisea va a acontecer….Dicha odisea, narrada desde el punto de vista de nuestra heroína, permitirá a los cineastas acercarse a pie de calle a las tribulaciones que sufren los trabajadores.

La cinta, por tanto y como hemos apuntado, sigue a Sandra en su particular puerta a puerta para conseguir los votos suficientes para no ser despedida. Ella; o bien acude al hogar de sus compañeros, o bien a sus lugares de ocio con el fin de discutir con cada uno de ellos sobre la decisión que han de tomar, y que sin duda afectará a su futuro, el de ella, su marido, sus hijos.

El marco en que se sitúa la narración, y del que parte el drama, gira alrededor de una decisión que va tomarse en una pequeña empresa. Esta decisión tomada por los realizadores es clave, por un lado evita que el conflicto laboral se pueda centrar en una manida y consabida discusión entre empresarios y sindicalistas –rehuyen de mostrar la misma-, por otra, esta misma nunca resultará aleccionadora dentro de los márgenes de lo políticamente prefabricado (esta cinta refleja el espíritu que constituye la filmografía de sus realizadores, la responsabilidad ante un dilema ético).

El conflicto aquí no incumbe a un solo personaje. El conflicto incumbe a todo un pequeño grupo, no una colectividad. Se desarrolla entre dos vertientes, por un lado; queremos apostar por un puesto laboral o perder una parte del sueldo, por otro; nos decantamos por la solidaridad o por el mantenimiento de un precario estatus social. Desde luego ese grupo nunca se establece como colectivo, sino como una suma de individualidades, cuyas razones para decantarse en apoyar a la compañera son diversas, inesperadas además. Esto ocurre en tiempos de crisis económica. Los realizadores se detienen a escuchar los por qué de cada uno, no hay mítines.

Es verdad que existe un intento de los cineastas de apostar por un retrato social complejo con escasas pinceladas, sin embargo algunas reacciones de los actores secundarios resultan precipitadas, en otros casos resultan inverosímiles. En algunos casos se hace notar en demasía cierto equilibrio de fuerzas para evitar lo que podríamos llamar lo políticamente correcto, sin estigmatizar a ciertos grupos de obreros.

Los hermanos Dardenne tienden a revindicar, en este drama, la importancia del ejercicio no profesional de la política, revindicando el derecho a decidir. Los realizadores nos hablan de lo urgente que es regenerar los procesos democráticos y como incentivar la participación en estos. Nos hablan además de la importancia en reactivar las redes de comunicación entre los obreros (hasta el último de los votos cuenta)

Ya no hay mítines, no hay consignas, la protagonista solo viene a promover una consulta entre los compañeros, contacta con los mismos, les explica su posicionamiento, escucha las reacciones de estos, acepta la decisión última. La importancia no reside en la decisión final, sino en recuperar la capacidad de autoestima como trabajadora, la dignidad reside en la decisión de luchar de Sandra hasta el final, mantenga el trabajo o no