Las niñas de Pilar Palomero

Las niñas', de Pilar Palomero, participada por RTVE, competirá en la  sección Generation KPlus de la Berlinale

En los años noventa, del pasado siglo, bajo el manto de la modernidad y la desmemoria democrática, de un país que creía ser autosuficiente,  aun latían diversos intersticios  por donde se colaba la grisura sociológica del régimen franquista, que como se ha podido comprobar con el tiempo, siempre se ha mantenido en sus mismas posiciones morales y éticas, y políticas, y económicas. Los cambios democráticos han sido cosméticos, porque no ha existido un verdadero cambio cultural como diría Juan Goytisolo. La fiesta se embadurno de confetis corruptos y ensoñaciones caducas.

En ese tiempo ocurre esta historia y con esa simiente, la directora debutante nos sumerge en un universo contradictorio, no exento de ironía pese a la negrura, que es al fin al cabo parte de su memoria. La mirada de Celia, el primordial punto de vista en el que está narrada esta historia, nos va abriendo paulatinamente, desde la atención naturalista por el detalle (evitando juicios a priori y posibles manipulaciones emocionales), hacia una serie múltiple de realidades rugosas y complejas (como son también las relaciones entre los personajes), que terminan conformando un corpus metafórico que invita a la reflexión. Todas ellas marcadas por precisos interrogantes, determinantes secretos que parecen no resolverse y quedan en el aire.

2020: Festival de Málaga: Biznaga de Oro (mejor película), fotografía y Premio Feroz de la crítica.

Vida en sombras de Llorenc Llobet Grácia

1. Vida en sombras (Llorens Llobet-Gràcia, 1949) | CONTRAPICADO

Vida en sombras no deja de identificar el cine con la vida. Una y otra vez parecen sucederse diversas exaltaciones alrededor del cine, desde luego un tanto ingenuas, petulantes. Los diálogos siempre teatrales (las interpretaciones sin dudarlo hieráticas, salvo la concerniente a Fernando Fernán Gómez).

Nuestro protagonista está condicionado por el cine, por su amor al cine, y su evolución técnica, a lo largo del tiempo, ya desde la existencia de la imagen fija y sus procesos hacia la imagen en movimiento. Carlos nació en una barraca de feria donde se proyectaban películas. Solo tiene un deseo; realizar cine. Pero también su vida viene determinada por el dolor y el sufrimiento como se comprobará a lo largo del suceder del metraje (la guerra, la muerte de su mujer).

Vida en sombras es un petulante trabajo lumínico que se revela pese a la oscuridad. Un claro intento de “metacine como declaración, que supura por todos sus poros”.

El contexto histórico en el que se desarrolla este elíptico melodrama es solo un mero trasfondo. El director utiliza formalmente de manera un tanto manipuladora sobreimpresiones, rótulos y alusiones temporales por medio de  diálogos ilusorios. Es decir, contar con todos los medios posibles a su alcance para que todos y cada uno de los hechos históricos, que se suceden, queden difusos, vaciados, sin un significado político.

Esta ópera prima (única cinta de su director) solo quiere mostrar el sobrecogedor y arrebatado tormento del protagonista (poco o nada creíble), su doliente vida interior, y su amor romántico por el cine. El amor por el cine oculta las realidades. El amor hacia el cine es también redención pese a la recargada tragedia (ese regresar, a pesar de vivir en una vida en sombras).

El cine lo puede todo. Carlos filmo en su día la imagen de su difunta esposa antes de morir, y ahora ese fantasma está en su interior y lo llena de remordimientos. Solo en ese instante cuando este recupera las primigenias y amorosas imágenes familiares, convenientemente filmadas, y tras ver la cinta Rebeca como detonante, se produce el milagro, pues las mismas al cobrar vida recuperan la memoria feliz, que conduce a la redención y hacia una nueva epifanía de lo revivido (el cine como bálsamo de la vida o el cine y la vida como una misma cosa irrenunciable o el cine como la prolongación de la vida). Este es un honesto intento, por parte del realizador, de buscar intensidad poética, gracias a cierta tensión entre la imagen real y su trasmutación fílmica.

El verdugo de Luis García Berlanga

El verdugo (Luis García Berlanga, 1963) | CinEd
Un sayón reluctante: El verdugo, de Luis García Berlanga – Tiempo de Cine

a Jesús García de Dueñas

Un clásico moderno. A día de hoy el discurso de El verdugo sigue estando presente, sigue estando vivo, es cierto que mucho ha llovido desde el año 1963 –de aquellos tiempos de la dictadura-, pero algunos cambios que se han producido en esta democracia son un tanto superficiales. Sigue habitando el enchufismo. Es verdad no existe la pena de muerte, pero el código penal y sus reformas son cada vez más estrictos –la pena revisable-. El español sigue emigrando, huyendo de la crisis y no solo el proletariado –en los días actuales hasta los jóvenes formados emigran-. Seguimos teniendo un problema con la vivienda –la especulación, el estallido de la burbuja inmobiliaria-. A priori no ocurre nada cuando una madre soltera puede quedar embarazada, pero se aplican triquiñuelas para no dispensar la píldora del día después –los inquisidores coartan los derechos de las mujeres-

El verdugo es un alegato contra la pena de muerte. Un alegato valiente y necesario –inteligente- que sufrió las iras de los inquisidores –inquisidores como Sánchez Bella-.

El guión de El verdugo escrito por Azcona se inspira en el caso de la envenenadora de Valencia –en aquellos tiempos se había ajusticiado a Julián Grimau, Francisco Granados Mata y Joaquín Delgado Mata-.

El verdugo es también el retrato de tres desgraciados y de una sociedad que carece de oportunidades y progreso. Una sociedad determinada por el nacional catolicismo y el ejército.

El esperpento, lo zarzuelero –el sainete-, la picaresca; son señas de identidad de esta obra culmen de la historia del cine. Un retrato de un país egoísta, hipócrita y mezquino, pobre, autoritario, misógino…

El verdugo es un verdadero trabajo de orfebrería que busca sin duda la mayor precisión  con el mínimo de elementos posibles, y es desde sus diálogos inteligentes (sus juegos de palabras magistrales), hasta la configuración de la puesta en escena  (domina en esta la profundidad de campo, los sutiles a si mismo inteligentes gags visuales, la claridad expositiva), pasando por una ágil escritura de su argumento una obra mayor, que tiene bien presente una sonora reflexión sobre los perjuicios de clase y la muerte.

La boda de Rosa de Icíar Bollaín

La boda de Rosa', 'Un plan irresistible' y la nueva película de Tom Hanks,  estrenos de este viernes

Rosa con el paso del tiempo ha perdido su libertad y se encuentra condicionada por su vida diaria y su familia, hasta que un día decide liberarse, cambiar su existencia. Provoca tal seísmo a su alrededor al liberarse de imposiciones, cargas, compromisos y obligaciones adquiridas que destaponara la problemática vida de su familia, sus miserias y conflictos, y que finalmente terminaran reconociendo sus faltas (nunca antes las habían aceptado). Son estos tiempos tan rápidos, tan poco dados a la reflexión y admitir las culpas, que la hipocresía se derrumba, dando paso a la confusión y a los fracasos cada vez más evidentes. También son tiempos que nos hablan de incomunicabilidad entre propios hermanos, hijos, padres, amigos.

La boda de Rosa es una cintasutil trazada de pequeños, pero grandes detalles que terminan invitándonos al entendimiento y la reconciliación y a ese volver a detenerse.

Parte del cine de la directora radica en reconocer la opresión, tratar de liberarse, rebelarse ante lo impuesto, optando por la proximidad en mostrar los detalles de ese proceso lógico de cambio, evitando toda negatividad y adoptando un pulso vital jubiloso, en este caso de claras resonancias berlanguianas.

2020: Festival de Málaga: Premio Especial del Jurado y Mejor actriz sec ( Nathalie Poza)

Surcos de José Antonio Nieves Conde

HoyEnLeón - Ciclo de cine "León Film Rural": Surcos

Surcos es una obra interesante capaz de revelar la realidad de un país en plena autarquía. Lo es quizás no tanto por el desarrollo de la trama, sino por el entorno urbano, social y moral en que se desenvuelven los personajes. Esa cada vez más disgregada familia rural que emigra a la capital de España, con la intención de encontrar un mundo mejor (aunque, en este caso, las razones económicas no son mencionadas, quedando estas ocultas). Finalmente, tras todos esos avatares y penalidades la narración conduce hacia el fracaso, al retorno al pueblo -este un tanto idealizado-.

Confluyen ciertas resonancias del cine neorrealista italiano. Es constatable cierta tendencia hacia la trama negra. No debemos olvidar ciertas dosis de la llamada literatura de los cincuenta (ver La colmena de Cela), que irrigan el argumento.

Madrid es mostrada con realismo a pie de calle. Un realismo casi documental. Los personajes resultan verosímiles. Surcos a todas luces adquiere en su desarrollo una dimensión coral.

Surcos pretende ser un retrato social con cierta voluntad de denuncia acerca de la sobrevivencia de las clases populares y sus condiciones de vida. Tiene voluntad de mostrar cierta veracidad a ras de suelo (el mundo del estraperlo, la prostitución más o menos encubierta, la explotación laboral, la pequeña delincuencia, la escasez de vivienda, el realquiler como práctica), aunque afectada por cierto paternalismo.  Culmina con un final impuesto por la censura.

Surcos se opone al cine folclórico, a cierta concepción nacional católica, intentado que la realidad pueda ser mostrada levemente.

La presencia no solo del realizador, sino de renombrados falangistas encargados de la escritura de guión (Eugenio Montes, Torrente Ballester, Natividad Zaro) constata cierta división dentro de los grupos de poder del régimen, por su diferente enfoque de la realidad social.  

Destacan las interpretaciones.

El extraño viaje de Fernando Fernán Gómez

El extraño viaje', una cima del cine de Fernán Gómez, censurada y  boicoteada en su día | Televisión | EL PAÍS

Sin duda alguna el presente trabajo sigue ciertos caminos provenientes de la popular tradición cultural española, por lo menos de una parte de esta, como son el sainete de carácter costumbrista y el esperpento.

El extraño viaje se inspira en el misterioso crimen de Mazarrón. Un crimen acaecido en los tiempos oscuros de la dictadura franquista.

Esa sórdida realidad alimenta desde luego el guión escrito por Pedro Beltrán. Pedro Beltrán provee su argumento de elementos esperpénticos, grotescos, y de humor negro, enriqueciéndolos y adecuándolos a las necesidades autorales de Fernán Gómez.

El extraño viaje contiene un discurso entreverado de tintes melodramáticos, aliñado de ciertos rasgos policiales y terroríficos que determinan su arquitectura narrativa (el uso de los flashbacks y del montaje alternado).

El extraño viaje es una cinta atmosférica siempre mórbida, granguiñolesca, sin duda una obra mestiza, híbrida; una mirada ferozmente crítica y desgarrada de la sociedad española.   

Mambrú se fue a la guerra de Fernando Fernán Gómez

Mambrú se fue a la guerra (Fernando Fernán-Gómez, 1986) - Otros ...

Fernán Gómez fue capaz de utilizar el humor como defensa de la dura realidad. Las atrocidades de lo cotidiano, los sucesos de lo cotidiano son atroces, nos llega a  proponer. El amargor que puede habitar en las circunstancias comunes, el absurdo de lo patético, lo irrisorio, se materializa en esta propuesta.

Fernán Gómez no fue nunca un realizador convencional. Su cine se despoja de lo accesorio, y lo hace con inteligente destreza, desde la atalaya sabia de un escéptico, de un pesimista, que nunca deja de ser irónico, comprometido con lo que ironiza, tratando de ser en lo posible imparcial pero certero, siempre generoso. Lo simple, lo elemental resulta siempre complejo –así es también la puesta en escena de esta cinta-. Cada plano atento nos comunica algo, aunque este sea cortante, es siempre preciso.

Lo que presumiblemente pueda resultar anécdota intenta derivarse en un sainete político –solo debemos leer su argumento para constatar esta idea-, esto ocurre en Mambrú –es verdad que persiste una caricatura que trascurre en la transición, desde la muerte del caudillo hasta la democracia, pero nunca se olvida  de llevar lo narrado a territorios aún más complejos, siempre radicales, completando una fábula sobre el tiempo, el absurdo del tiempo-. Por lo tanto lo presumiblemente anecdótico queda superado, adentrándose sin miedo en los signos propios de la fabulación –un país este donde los luchadores por las libertades, su memoria, es enterrada a cualquier precio por los nuevos garantes de las libertades-. Siempre ronda la muerte.

Es cierto este no llega a ser un film redondo. Cohabitan algunos hilos narrativos que son ajenos a la médula espinal de la cinta, por ejemplo la historia de amor entre la nieta del topo y el nieto del alcalde franquista. Podemos señalar un mal desarrollo de ese contrapunto que existe entre el topo y el alcalde. El film se resiente de una falta de concreción entre personajes concebidos como farsa, de aquellos otros concebidos como comedia.

Invisibles de Gracia Querejeta

Invisibles', de Gracia Querejeta, ya tiene fecha de estreno

La directora sigue transitando una serie de territorios temáticos comunes, plenamente reconocibles: el valor de la amistad, los vínculos familiares, la maternidad, la crisis a mediana edad de la mujer (quimeras, anhelos, fantasías, turbaciones, inseguridades).

Invisibles es a todas luces un juego teatral de corte naturalista algo artificioso, que intenta contener demasiados asuntos a través de largas conversaciones, un tanto mundanas, que sirven de desahogo emocional a los tres personajes femeninos.

Notables interpretaciones.

La isla de las mentiras de Paula Cons

La isla de las mentiras: Tres mujeres y el Titanic gallego - La ...

La cinta se basa en acontecimientos reales ocurridos en la costa gallega en los años veinte, del siglo pasado.

Aparatoso y forzado trabajo, falto de ritmo. Si su planteamiento inicial tiene algún interés, este va decayendo a medida que los hechos que se desarrollan van complicándose (enturbiándose), porque su edificación dramática es un tanto pomposa, carente de tensión y suspense alguno.