Wildland de Jeanette Nordahl

La violencia es el primordial pretexto analítico de cómo son los efectos devastadores de la misma en los personajes. He aquí la intencionalidad de plantear en la cinta, una especie de estudio psicológico de los mismos y al que le falta profundidad, por cierto.

También, es verdad que existe una atmósfera asfixiante que se genera, gracias a una concepción expositiva lateral que funciona a cuenta gotas, y parece evidente que la bestialidad afecta y determina a aquellos que han hecho de la propia violencia un modo de vida (otras cuestiones se plantean como la importancia del silencio, los lazos de sangre y la lealtad, el matriarcado y el dominio).

No debemos negar que en el trayecto de esta tragedia no se aborde la perdida de la inocencia, la subversión de los valores familiares y la corrupción, pero el tratamiento superficial que se nos ofrece es un tanto distanciado, más bien frío, y su escritura timorata, desdibujada en ocasiones, imprecisa en otras.

Sinopsis: Ida se muda con su tía y sus primos después de la trágica muerte de su madre en un accidente automovilístico. El hogar está lleno de amor, pero de puertas afuera la familia lleva una vida violenta y criminal.

Shorta de Anders Ølholm, Frederik Louis Hviid

Eficaz cinta de acción, pero eso si un tanto arquetípica, que apenas entra de lleno en la reflexión sobre cuestiones como el racismo institucionalizado o la arbitrariedad ejercida por la policía.

Formalmente la cinta se organiza mediante fulgurantes escenas de acción, coreográficas peleas, y persecuciones miles, incidentes planos cortos (utilización de la cámara libre al hombro) y una elevada exacerbación del sonido, con la intencionalidad de lograr sacar el máximo rendimiento dramático de los espacios, donde trascurre la acción.

Sinopsis: En la Dinamarca actual, una sociedad multicultural, segregada y llena de tensiones raciales, Talib, un joven inmigrante de segunda generación, entra en coma estando bajo tutela policial. Mientras los agentes de policía Høyer y Andersen hacen una patrulla rutinaria por el gueto de Svalegarden se anuncia la muerte del joven, noticia que desata violentos disturbios en el vecindario, que se convierte en un infierno sin salida para los agentes.

Jinetes de la justicia de Anders Thomas Jensen

No perdemos, en absoluto, el interés, con esta extraña, incluso caótica cinta, cargada de obsesionados y equivocados personajes insólitos, por no decir estrafalarios, y chocantes y arbitrarios, y en crisis; metidos de lleno en coyunturas poco verosímiles.

A través de un tono cercano a la fábula, como si de un cuento navideño se tratara, el director consigue acertadamente entreverar diversos géneros, que van desde la comedia, al thriller, pasando por el relato negro con efecto mariposa como fondo, y sin abandonar el melodrama familiar.

En la misma cinta se nos permite ahondar sobre el sentido del duelo y la perdida y el sentido de la justicia, pero también sobre la situación absurda del mundo del hoy y cómo los imprevistos sucesos de nuestra existencia y el destino están supeditados, de un modo infinito y aleatorio, a variables decididamente incontrolables.

Druk de Thomas Vinterberg

La falta de satisfacción personal y familiar, incluso profesional aboca al deterioro, a la no felicidad, incluso al suicidio.

Sinopsis: Cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre.

El punto de partida parece interesante, a primera vista. Todos y cada uno de los protagonistas son y actúan erráticamente como títeres de un gran guiñol. El director más bien los utiliza, los manosea y maneja a su antojo, nunca se aproxima a su verdad, y las notas que se van diseminado funcionan por acumulación, sin que alcancen complejidad y gravedad, ni tan siquiera crueldad.

El director nunca se atreve a sumergirse verdaderamente en un retrato mísero, prefiere lavarse las manos con este finalmente trabajo contradictorio en su desarrollo, pulcro, evidente, políticamente correcto.

Ciertamente los artificios narrativos que maneja el director danés son cada vez más evidentes, incluso a todas luces, engañosos.

2020: Festival de San Sebastián: Mejor actor & Premio Feroz de la crítica

2020: BFI London Film Festival: Mejor película

Giraffe de Anne Sofie Hartmann

Podemos decir, sin miedo a equivocarnos, que este film es una sugerente fusión entre registros documentales y apuntes de ficción.

Existe una cierta concepción de la vida como un viaje que trascurre de forma lineal aunque amarrado al tiempo, nunca abandonando si cabe la sensación de continuidad y de ese seguir adelante, aun en el caso de dejar o abandonar objetos, pensamientos, cuerpos por ese camino, porque otros protagonistas un buen día los descubrirán (encontrarán), poseerán o serán poseídos, o renunciarán.

Así, en la cinta, lo memorístico se une a lo fantasmagórico (y a lo no visible) y a esa  idea de lo efímero del  hoy que sostiene la capacidad de encapsular las experiencias y los sentimientos y los pensamientos del pasado como memoria, bajo los atentos o descuidados anhelos, que aun latiendo desconocemos misteriosamente, incluso aun subyaciendo y mantenidos sin explicación dentro de un presente que es continuo, en los que los seres, los espacios, incluso lo ausente resucita, para luego abandonarse o no. Esas experiencias vitales son trasmitidas al espectador posibilitando múltiples experiencias que invitan a la inmersión, la interiorización.

Plan de salida de Jonas Alexander Arnby

La eutanasia teñida de un cierto halo existencial va alcanzando magnitudes ciertamente turbadoras a lo largo de la primera mitad del film, atrapándonos en un primer instante. Sin embargo a partir de un instante dado su desarrollo deja de ser persuasivo y se torna confuso y el desinterés se acentúa, hasta llegar a un clímax tan absurdo y vacío como presuntuoso y risible.

Reina de corazones de May el-Toukhy

La trama de esta cinta danesa resulta más que reconocible. Un intruso termina desestabilizando la vida íntima y afectiva de un núcleo familiar.

Reina de corazones comienza siendo un melodrama naturalista que va derivando lentamente, y de manera inquietante y malsana en un momento dado, hacia la tragedia, para finalmente elevarse como un presumible retrato crítico y casi trascendente, y puede que incisivo, sobre la alta sociedad y sobre las formas y usos del control del poder. Sin embargo, la tendencia hacia la artificiosidad es ciertamente notable, acentuada si cabe por su gélida puesta en escena y la ampulosidad de su banda sonora y caprichoso montaje, por no hablar narrativamente de su falta de credibilidad y verosimilitud a la hora de presentar y describir tanto a los personajes como desarrollar el propio mecanismo de la narración, siempre este tendente a la contradicción y el acumulativo subrayado de acontecimientos.

Sinopsis: Annie es una exitosa abogada que vive en una casa de estilo modernista con sus dos hijas y su marido Peter, un reputado físico. La aparición de Gustav, un hijo que pertenece a una relación previa de Peter, pone patas arriba la armonía que reina en la vida de Annie. Lo que en un principio parece ser un movimiento liberador para ella, pronto se convierte en una historia de poder y traición que tendrá consecuencias devastadoras en su vida.

Domino de Brian De Palma

Domino parece desertar de lo verosímil en lo referente a las situaciones y ceñirse casi por completo a los resortes y los mecanismos y los artilugios y los dispositivos del como apropiarse de las imágenes que circulan en nuestro mundo, y como son estas grabadas y filmadas, y como circulan, incluso manipuladas, hoy en día, por los diversos medios visuales y como se distribuyen por las redes sociales y conque fin, y cuáles son las lecturas resultantes a posteriori.

Esta idea circula dentro de este desigual trabajo, no exento en algunos tramos de interés y buena resolución, y que nos narra la historia de una venganza sirviéndose de los paradigmas del cine negro de serie B, con la intención de desentrañar los poliédricos entresijos de nuestro mundo.

La casa de Jack de Lars Von Trier

Al igual que en su trabajo anterior Ninfomanía, el director intenta establecer una especie de diálogo filosófico. Una plática entre el protagonista (en este caso un asesino en serie) y un demiurgo que ejerza de conciencia moral.

Sinopsis: Estados Unidos, década de 1970. Seguimos al brillante Jack durante un período de 12 años, descubriendo los asesinatos que marcarán su evolución como asesino en serie. La historia se vive desde el punto de vista de Jack, quien considera que cada uno de sus asesinatos es una obra de arte en sí misma.

Se nos propone una especie de alegórico retrato de un asesino en serie, que se narra así mismo durante cinco episodios. Asistimos entonces como espectadores a todo tipo de aberrantes crímenes y que el director no muestra de manera explícita, no ahorrándose detalles escabrosos y crueles.

Desde luego este no es un reconocible trabajo sobre asesinos en serie. Dentro del argumento proliferan múltiples digresiones y referencias miles a manifestaciones tanto artísticas, como literarias, filosóficas, musicales, cinematográficas, históricas, sociológicas, científicas, criminales, además de intercalar estratégicamente sucesivos paréntesis gráficos, que acompañan a diversas reflexiones alusivas a diversas temáticas. Quien cuestiona todas y cada una de esas reflexiones es Verge, que ejerce el roll de demiurgo.

Para Trier el mal y el crimen puede generar obras artísticas, subvirtiendo así todo principio humanista. La intención de mostrar lo artístico de esa manera plenamente malévola deforma y socaba los principios de toda civilización. Esa intención delirante está latente en toda dictadura y el asesino Jack es una muestra de ello.

 

 

 

The Guilty de Gustav Möller

El director edifica la trama encerrando al protagonista en un solo escenario. La acción trascurre en presente, en tiempo real. Lo que acontece trascurre fuera de campo. El espectador, al igual que el protagonista, vive en la incertidumbre, se encuentra desesperado y los minutos pasan gravemente. El espectador al igual que el protagonista ha de tratar de reconstruir lo sucede fuera de cuadro. La información se nos va trasmitiendo con cuentagotas,  se recurre a ciertas triquiñuelas que terminan por engañar al espectador, lo manipulan. Nos dejamos llevar por las preconcepciones, pero nada sirve cuando las pistas son erróneas. La trama queda desnuda, se evita lo accesorio. El director sobrealimenta tanto la trama y su desarrollo, consiguiendo que el tramo final resulte desilusionante. Las decisiones tomadas por el director y su guionista son un tanto discutibles.

Sinopsis: Asger Holm, un oficial de policía, ha sido suspendido temporalmente de sus funciones y relegado a operador del servicio de emergencias. Durante su rutinario turno de noche, recibe la extraña llamada de una mujer aterrada. A pesar de su reacción de sorpresa, Asger se da cuenta de que la mujer al otro lado del teléfono ha sido secuestrada, y es entonces cuando comenzará la búsqueda. Recluido en su mesa en la centralita de emergencias, Asger tendrá que localizar y ayudar a la mujer en peligro con la ayuda de sus compañeros en todo el país. Conforme pasan los minutos, Asgar tendrá que enfrentarse no sólo a la precipitación de los acontecimientos relacionados con el caso, sino también a sus propios demonios personales.

2018: Festival de Valladolid – Seminci: Mejor guion