Los consejos de Alice de Nicolas Pariser

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El director nos habla literalmente de política. Y para hablarnos de ello, que mejor que el diálogo. Este diálogo queda establecido y se constata teniendo en cuenta dos personajes, bien diferentes generacionalmente, cuya resolución última no significa un final feliz aparente, sino la aceptación por ambas partes de un abandono coyuntural de unión y colaboración. Uno de ellos es un político, el otro una intelectual.

Sinopsis: El alcalde de la ciudad de Lyon (Francia), Paul Théraneau, se encuentra en una posición delicada. Tras pasar 30 años en política se empieza a quedar sin ideas y siente que sufre una especie de vacío existencial. Para superar esta adversidad, Paul decide contratar a una brillante filósofa, la joven Alice Heinmann. Entre ambos se desarrolla un diálogo en el que sus respectivas personalidades cambian drásticamente su forma de ver y entender el mundo.

El interés por el diálogo mantenido entre ambos es clave, durante ese tiempo. Es la mejor manera de expresar a través de la palabra, toda dialéctica.

Lo atractivo del personaje del político se focaliza en la insatisfacción que le produce la falta de ideas a desarrollar frente a su todavía aparente éxito y su considerable desgaste, y de la toma de conciencia del mismo acerca de la dificultad de renovación con el paso del tiempo. La joven filósofa  está bien preparada, pero es inexperta en el universo real de la política.

El director no deja de estar atento a cada detalle. Capta la crisis del político. Capta la realidad a la que se enfrenta la intelectual, fuera ya de toda idealización. Capta los ceremoniales políticos. También el director ha sido capaz de penetrar en la interioridad de ambos personajes con precisión completa, ofreciendo un doble retrato determinado por la diferencia entre las generaciones  que trasciende al entorno político, las dudas generadas al hacer balance de toda una trayectoria, la inseguridad o inestabilidad de los tiempos…

Maya de Mia Hansen Love

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Esta es una cinta que está en constante movimiento y que es capaz de encadenar secuencias de las que apenas se muestran destellos, buscando casi siempre el interior de los personajes. Abordar desde dentro, desde la intimidad y la contención sus crisis personales, su necesidad de reedificarse, evitando en lo posible sobrecargas emocionales (la cámara se encuentra siempre cercana a los personajes, atenta a los detalles, evitando intrusismos; los acompaña en cada duda, al tiempo intuitivamente advierte la trascendencia del espacio como reflejo de la necesidad de los protagonistas de erigir correspondencias y vínculos).

El oficial y el espía de Roman Polanski

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Polanski  regresa al cine histórico para hablarnos como un sistema y una sociedad son capaces de condenar a un inocente utilizando todo tipo de estratagemas arbitrarias.

De manera inteligente, el cineasta no se basa tanto en el famoso artículo J´accuse escrito por Emilio Zola sobre el caso Dreyfus, sino en el libro homónimo de Robert Harris, en el que el foco de atención se desplaza a la figura del coronel Picquart, primero convencido de la culpabilidad de Dreyfus (los días de confinamiento del capitán en la Isla del Diablo se evocan en un fragmento en tonos sepia), más tarde y según sus investigaciones probadas, defensor de la inocencia del capitán. Por tanto la trama no se nos explica desde la perspectiva y experiencia del condenado Dreyfus, sino desde la mirada del coronel, que terminará enfrentándose al sistema político como imprevisto investigador.

Esta opción invita a un retrato meticuloso sobre los procedimientos llevados a cabo por las agencias de espionaje o servicios de inteligencia y las manipulaciones interesadas y tergiversaciones múltiples y otras arbitrariedades que implican al estado (adquieren importancia la atención por los detalles, tanto en la adecuación de la puesta en escena, la precisión de los planos y los movimientos de cámara, la luz, la banda sonora y el montaje). Además nos propone adentrarnos dentro de un conflicto que se establece entre lo público y lo privado, los secretos de estado y los flirteos amorosos, dentro de una sociedad francesa profundamente antisemita.

El realizador evita manipulaciones, sentimentalismos y subrayados innecesarios, y nos regala un trabajo expresivo, directo, pero al tiempo sutil. El director apela directamente al espectador a que reflexione, nunca a sus emociones y desvaríos. Por tanto la búsqueda de la verdad prevalece apoyándose en los valores democráticos surgidos en la revolución francesa, contraponiéndose a los valores autoritarios, y arbitrarios y el patrioterismo.

El oficial y el espía es un trabajo ágil (que hace un uso inteligente y dosificado de la banda sonora y el montaje) que se desenvuelve dentro de escenarios cerrados decadentes, que ayudan a entender y comprender una parábola, cuya lectura es perfectamente válida en nuestros tiempos.

Polanski sigue siendo incisivo al tiempo irónico y perturbador, preocupado por conceptos como la verdad y la mentira, la culpabilidad y la inocencia, el bien y el mal, las obsesiones y el lado oscuro y turbio del ser humano.

2019: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado y Premio FIPRESCI

 

 

 

 

 

Una íntima convicción de Antoine Raimbault

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Cinta basada en hechos reales que nos hace hondamente reflexionar, en estos tiempos mediáticos, sobre la llamada duda razonable, evitando manidas formas y discursos manipuladores al uso. En este caso se aborda la inocencia o culpabilidad de un acusado, cuando no hay pruebas suficientes para ello.

El director ha optado por introducir toda la documentación textual del caso en la trama, al tiempo que crea un personaje ficcional femenino externo que infunde tensión y un halo de incertidumbre, con la inteligente intencionalidad de sostener la cuestión clave, y que la propia cinta se encarga de lanzar a los espectadores.

Próxima de Alice Winocour

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Cómo conciliar el cuidado de los hijos con la vida profesional (una vida profesional, la de astronauta, cuyo entorno está copado por el hombre, cuya actitud y proceder hace invisible el trabajo femenino).De esto, entre otras cosas nos habla esta cinta, además de adoptar una perspectiva nada épica sobre la heroicidad de los viajes espaciales.

La cineasta sabe entreverar adecuadamente los instantes íntimos y emocionales entre la protagonista y su hija y sus vínculos, con la aproximación realista del proceso de preparación espacial. De ahí, la inmersiva banda sonora contribuye fehacientemente a sumergirnos dentro de esos instantes o momentos emocionales, de esos conflictos íntimos y de esfuerzo físico y preparación por los que transita la protagonista, antes de la misión espacial.

2019: Festival de San Sebastián: Premio especial del Jurado

Reflejo de Sibyl de Justine Triet

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Sinopsis: Sibyl es una terapeuta que decide volver a dedicarse a la que es su verdadera pasión: la escritura. Para poder hacerlo deja de ver a todos sus pacientes, lo que le permite poder centrarse en las historias que quiere escribir. Sin embargo, su tranquilidad se ve trastocada con la llamada de Margot, una joven actriz de vida tumultuosa que suplica verla. La escritora acepta, sin sospechar que las revelaciones de su nueva paciente están a punto de cambiar su vida para siempre.

El argumento va abriéndose a múltiples estratos y personajes, según nuestra protagonista va reconvirtiéndose en escritora a partir de las experiencias que tiene con sus pacientes reales, a los que ella va privando de personalidad, hasta lograr total dependencia. De esta manera la directora va radiografiando la historia de su protagonista, al tiempo que reflexiona sobre la vida, las ficciones y el psicoanálisis, y como todos estos elementos pueden tener un componente de manipulación, con relación a la interacción de estos con la realidad y su entorno y los que nos rodean.

Partiendo de esta interesante premisa la compleja configuración formal o estructura de la cinta se concreta en imágenes puramente mecánicas, donde los personajes son meros títeres de libreto y la situación de la cámara parece estar en una localización sin criterio, por lo que la puesta a punto sobre el papel de todas las técnicas e indicaciones de índole artística no resulta de manera alguna expresiva, ni es capaz de hablarnos de lo que ocurre realmente en cada momento o instante.

¿Dónde está mi cuerpo? de Jérémy Clapin

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Interesante cinta de animación para adultos que bascula entre lo tenebroso, lo tierno y lo extraordinario, incluso lo poético; y que entrevera perfectamente y con acierto diversos géneros cinematográficos: Tragicomedia, cine de suspense y terror, drama romántico (existencial), cómic…

La presente cinta de intriga se edifica en base a dos ejes paralelos, que discurren dentro de una narración -asida por diversos flashbacks-, y que terminaran encontrándose en el tramo último.

El animador francés combina con acierto la animación tradicional con la animación en 3D, dotando no solo a la trama, sino a los encuadres de precisa veracidad realista. Así mismo es también destacable el uso del sonido como alto valor narrativo.

2019: Sitges Film Festival: Mejor música

Sinopsis: Una mano cortada se escapa de un laboratorio con un objetivo crucial: volver a encontrar su cuerpo. A medida que avanza por los escollos de París, recuerda su vida con el joven al que una vez estuvo apegado… hasta que conocieron a Gabrielle.