Jimmy P. de Arnaud Desplechin

Jimmy P.' / Los síntomas de Jimmy Picard – La gran ilusión

El realizador se apoya en el texto Psychotherapie d´un indien des plaines de Georges Devereux (padre de la llamada etnopsiquiatría) para construir un relato que parte de lo traumático (se detallan las sesiones psicoanalíticas llevadas a cabo por Devereux con el indio Jimmy P, aquejado este último por fuertes dolores de cabeza y trastornos, tras haber estado en el frente durante la Segunda guerra mundial), abordando más tarde todo un proceso curativo pleno, al tiempo que va cimentándose la relación de amistad entre el médico y su paciente.

Vuelve a erigirse la palabra como sustento creativo del relato –bien es cierto, que utilizando como base un caso científico-. Teniendo en cuenta las sesiones psicoanalíticas va creándose un relato, un trayecto donde surgen tensiones familiares, miedos, pérdidas, soledades, nunca distanciándose de un certero recorrido antropológico de todo un país.

A partir de un caso individual como es este, va graduándose todo un proceso analítico hasta el punto de establecerse toda una radiografía veraz de un grupo, una familia india en este caso. Al llevar esta radiografía a cabo es como si se nos propusiera un sincero y maduro discurso sobre la fusión de las razas, y la integración de toda comunidad dentro de la cultura americana, aunque es verdad que sus protagonistas sean dos no anglosajones. Por lo tanto el realizador parte de lo individual hasta llegar a lo complejo, parte de lo individual hasta llegar a lo general,  así mismo el relato va bifurcándose hacia otros caminos y la conciencia de ese trauma acaba convirtiéndose en una auténtica narración feliz de redenciones (habita dentro del relato la inquietud acerca de la descomposición de la unidad familiar, el trauma posbélico y el psicoanálisis como solución curativa y la dolorosa memoria del genocidio cometido contra los indios).

Destacan las interpretaciones de Benicio Del Toro, Mathieu Amalric

Jeune et jolie de Francois Ozon

Crónica Cannes 2013: "Jeune & Jolie" la genuina Lolita de François ...

Tras la proyección el espectador no deja ni un momento de dudar de lo que ha visto. Jeune et jolie nos habla de un incompresible caso de prostitución adolescente protagonizado por una muchacha de 17 años, una probable disección de dicho caso; o más bien como el realizador trata de narrarnos una fábula, un tanto inquietante, sin duda ingenua, acerca de cómo el fantasma de la prostitución ronda en la mente de una chica que proviene de una familia acomodada.

La propuesta de Ozon sin duda es intensa, pero al mismo tiempo ligera y dramática, regada por elementos de comedia – viene a ser cierto que en ningún momento viene a juzgarse a su joven protagonista-

Jeune et jolie es sin duda alguna una propuesta contradictoria. Una especie de Belle de Jour descafeinada -no dudamos de la estupenda, hipnótica, siempre contenida interpretación de su actriz principal Marina Match-

Jeune et jolie se divide en cuatro actos; comenzando la acción en verano, culminando en primavera. Cada uno de los actos viene marcado por una canción interpretada por Francois Hardy. A través de las mismas la protagonista va transformándose. Cada uno de estos actos viene a constituirse un esbozo: el descubrimiento del sexo, el deseo, la ruptura, la redención final de ese afloramiento sexual de la protagonista, dentro de un trayecto auspiciado por diversas miradas.

Nunca encontramos los por qué, nada queda desde luego explicado. Podemos intuir que ese por qué viene introducido de manera un tanto impostada por un poema de Rimbaud. 

C’est ça l’amour de Claire Burger

Críticas: Crítica de “El verdadero amor”, de Claire Burger - Otros ...

De alguna otra manera todos y cada uno de los personajes integrantes de este complejo núcleo familiar están determinados por el afecto, mejor dicho por la falta y carencia del mismo, el paso del tiempo y las diferencias amorosas. Unos buscan definirse, buscar, para otros la plenitud y la rutina entra en crisis por falta de seguridad y maduración. La dudas aparecen y se perpetúan, la voluntad parece no bastar, y la incomprensión radica ser un halo determinante…Todos quieren o más bien desean madurar.

Pese a que algunas subtramas no están del todo bien perfiladas, en general es un film consistente de profunda ternura y complejidad emotiva, que renuncia a subrayados innecesarios, manteniendo un tono adecuado sin estridencias.

Sinopsis: Desde que su mujer se fue, Mario se ocupa solo de su hogar y cuida de sus dos hijas, en plena crisis de adolescencia. Frida, de 14 años, lo culpa de que su madre se haya marchado. Nilki, de 17, solo sueña con marcharse de casa. Mario, por su parte, espera que un día su mujer regrese a casa.

Habitación 212 de Christophe Honoré

Habitación 212 - dirigida por Christophe Honoré - Crítica - CINEMAGAVIA

El director francés concentra la acción en tan solo casi un espacio (un apartamento, una habitación de hotel, un bar y una calle) y una noche para narrarnos una petulante y verbosa crónica acerca de la crisis de pareja, proyectada en esta ocasión como un evidente y mediocre juego de espejos, en el que los personajes intervinientes comparten escena en diferentes periodos de sus vidas.

En definitiva, un manido y mecánico artificio tragicómico que utiliza los tiempos dramáticos y de acción a modo de crisis, intentando concebir  persistentes juegos a caballo entre la representación artificiosa  del cine y lo meramente teatral.

2019: Festival de Cannes: Un Certain Regard – Mejor interpretación (C. Mastroianni)

La red Avispa de Olivier Assayas

La red avispa", un Olivier Assayas desteñido | El ... | Página12

Nunca sabremos que le interesaba verdaderamente de esta historia al director francés más allá de un simple titular de prensa, porque es incapaz de urdir un sólido relato de intriga teñido de sentimientos.

Sin brújula  formal a la hora de saber edificar la trama y de acoplar las subtramas a la principal, Assayas abandona  caprichosamente incluso a sus personajes a la deriva, perdiendo algunos de ellos sin justificación aparente.

La red Avispa es en definitiva un impersonal film, narrativamente caprichoso, sin tensión ni hondura sociopolítica alguna, y que recurre una y otra vez a manidos tópicos y desganadas explicaciones de manual introducidas con calzador.

La famosa invasión de los osos en Sicilia de Lorenzo Mattotti

Mattotti y la 'La famosa invasión de los osos en Sicilia' | RTVE

Respetuosa adaptación de la novela infantil escrita por Dino Buzzati. La misma cinta conserva su vocación de aunar un conjunto rico de diversas relaciones que se acercan o aproximan a un texto determinado u a otros textos de variada procedencia sean o no del mismo autor o diferente (por ejemplo, conservación de fragmentos en prosa y en verso, ilustraciones de cada capítulo, breves explicaciones de la trama principal), conservándose así mismo su juego metalingüístico.

La novedad reside en que en esta ocasión para una mejor adecuación visual y agilización  se introducen tres personajes que ejercen como narradores. Así mismo apreciamos como el argumento se divide en dos partes, en principio diferenciadas, aunque con un clarividente punto en común que va emergiendo durante su desarrollo a modo de parábola y que nos habla sobre el poder y la utilización despótica del mismo, y la conservación de preservar lo auténtico.

Desde el punto de vista estético el animador no se distancia del estilo utilizado por Buzzati. El dibujo trazado a mano en 2D introduce una vivaz y sugerente paleta de color vivo, trasmitiendo alegría, poética, esperanza…

Cartas a Roxane de Alexis Milchalik

La película de Alexis Michalik 'Cartas a Roxane' se estrenará el ...

Nada nuevo nos plantea esta comedia. Escritor teatral en horas bajas busca inspiración. Finalmente encuentra, en su amorosa musa, la iluminación necesaria para concluir el texto teatral, que lo llevará a la fama.

La cinta nos cuenta la historia real del dramaturgo Edmond Rostand y como termino escribiendo su famosa y popular obra Cyrano de Bergerac, y como la misma obtuvo rotundo éxito, pese a una vida errática de sufrimiento y miseria.

El resultado es un film predecible, aparatoso, risible en ciertos instantes. Nada es creíble en ese conflicto que se establece entre el dramaturgo, su musa y su esposa. Los momentos de comedia que se infiltran dentro de la trama están forzados.

La última locura de Claire Darling de Julie Bertuccelli

La última locura de Claire Darling llega a los cines el 17 de Mayo

Los personajes que habitan dentro del hogar, en presente, conviven dentro del plano con su propia imagen procedente de un remoto pasado, que se les hace vivamente presente, al convocarlo. Entonces la memoria, como un ADN que nos define con sus heridas, melancolías y momentos felices, echa mano de esos recuerdos que han sido trasformados, con el paso del tiempo, bajo una lectura de realismo sobrenatural que no deja de fluir, y cuyos vínculos son los propios objetos que acentúan y establecen las relaciones con  los propios personajes, los unos con otros, en un tiempo u otro. Todo esto trata de traducirse en imágenes, sin embargo la sobrexplicación, también la indefinición ponen en evidencia su nivel narrativo y visual (evidente tal vez reiterativa, nada reveladora puesta en escena, por ejemplo) amenazando el resultado final, un tanto desigual, de la cinta.

Adaptación de la novela estadounidense “Faith Bass Darling´s Last Garage Sale”, de Lynda Rutledge.

La verdad de Hirokazu Kore-eda

San Sebastián 2019: crítica de “La verdad”, de Hirokazu Koreeda ...

La verdad se oculta tras la mentira. Seguir ocultando una y otra vez aun resistiéndose a que lo oculto no deba permanecer como tal. La mentira puede ayudar a la felicidad, por lo menos que seamos bien felices, aproximarnos a ese concepto – sigue insistiendo el realizador en la importancia de lo cotidiano y en el análisis afilado de la familia y sus vínculos-. De esto trata este trabajo rodado en Francia. Su primer trabajo fuera de Japón.

El peso específico del argumento gira entorno a la relación materno filial entre una madre y su hija y el conflicto latente que se mantiene de por vida y que vuelve a resurgir tras la publicación de las memorias de la madre (que es actriz), con los consiguientes reproches de la hija. Este fundamento resulta clave y está basado en el criterio de verdad y que obliga sin remisión a concebir todo el discurso del film, potenciado a su vez por una ficción dentro de una ficción, es decir un juego meta ficcional –el rodaje de una película donde el personaje de la madre aquí es coprotagonista, de esa otra ficción- y que sirve al tiempo de imagen distorsionada de la tragedia de lo real, que se nos está contando (ese carácter de la ficción contrasta con el naturalismo real de lo que se va narrando, y sirve además para recalcar lo relativo de lo real frente a lo ficcional), siempre manteniendo una distancia adecuada, evitando juicios a priori.

Sinopsis: Fabienne es una de las grandes estrellas del cine francés, una actriz que reina entre los hombres que la aman y admiran, pero en su mundo interior tiene grandes conflictos con Lumir, su hija. Lumir viaja con su marido e hija a París cuando se publican las memorias de su madre. El encuentro no tardará en convertirse en enfrentamiento: se revelarán verdades, se ajustarán cuentas, se hablará de amor y de resentimiento.

Roubaix, une lumiére de Arnaud Desplechin

Cannes 2019: crítica de "Oh Mercy", de Arnaud Desplechin ...

El director filma su ciudad. Este su universo, deviene también en personaje, al menos durante la primera mitad, de esta más que interesante cinta. Su acercamiento hacia la urbe es de índole físico -y no solo inmersivo-, marcando los límites físicos de los espacios. Su concepción casi ronda el documental, buscando quizás la realidad de los acontecimientos, de lo físicamente real de los elementos, de lo realmente tangible de lo cotidiano, del  quehacer de ese grupo de policías al pie de calle y de los barrios  por donde transitan tomando los latidos urbanos de la periferia marginal, haciéndose cargo de los casos graves que se suceden y como enfrentarse a estos. Todo esto ocurre en la primera mitad del film hasta que en un momento dado pasamos de lo colectivo a lo individual y toda la focalización del relato converge en el asesinato de una anciana -abandonada a su suerte- por parte de dos mujeres.

La verdad, quizás de otro modo, también prevalece en esta segunda parte –que hemos apuntado- del film, y a medida que vamos adentrándonos en la sordidez del caso va emergiendo la tragedia, y vamos adentrándonos en los enigmas y abismos que subyacen en toda condición humana.

El cineasta se abstiene en juzgar el caso, solo quiere asistir en lo posible a la verdad y que habita bajo ese aire malsano que es la maldad. A partir de entonces asistimos a una reconstrucción de los abismos y  los vértigos que pueden resquebrajarse bajo el suelo de un asesino, cuando este admite ser tal y planta cara al crimen y a sus actos. Pero reconstruir no significa del todo que ocurrió realmente, porque algo oculto siempre quedará sin resolver.