La habitación del hijo de Nanni Moretti

Video. La ruptura del ritmo en 'La habitación del hijo' de Nanni ...

No existe algo más doloroso que la muerte de un hijo. La muerte de un hijo desata el llanto.

La habitación del hijo condensa en esencia la temática abordada en la obra de Carver. Una y otra vez el realizador se inspira en los cuentos de Carver; Un sendero en la cascada/ Los dedos de los pies –incluso Moretti aparece en el film leyendo uno de sus relatos-. Sin duda se nos viene a decir que algo extraño modifica la realidad tranquila de los personajes. Se trata de la muerte de Andrea, el hijo querido, de nuevo recordamos el argumento de dos cuentos de Carver, El Baño –una pareja se entera de la muerte del hijo-, Parece una tontería –como una familia afronta la pérdida del hijo-.

La muerte como final. La muerte irrumpe como un hecho inexorable fruto del azar. Tras la muerte culmina todo, no existe un más allá, es falso creer en el más allá, es falso y absurdo todo consuelo deseado, solo queda la desolación, la incomunicación del dolor, la imposibilidad de recuperar el tiempo pasado, es inútil tantas ilusiones. Solo nos viene a quedar el descubrimiento, tras la muerte de Andrea, de algunas facetas que desconocíamos del hijo ahora ausente, deseamos de alguna manera reconstruirlas, quizás sea hora de una autosuperación en la aceptación de lo que viene a ser inevitable –la presencia de Ariana amiga de Andrea, como la Ariadna de Teseo, sea un elemento posiblemente clave en la autosuperación de ese dolor, su hilo guie a los personajes al final del laberinto-

Es inútil el consuelo de la fe, es el tiempo del funeral, se abren diversas cuestiones, es Dios quien determina, es Dios un sádico o Dios es amor, somos ninguneados por Dios…

Un final se nos abre, quizás sea ambiguo, la playa y el mar viene a hacer referencia al infinito, a un más allá, sin embargo nunca sabremos si la reconciliación de esa familia será posible, sus miembros avanzan por la playa en direcciones distintas –la canción de Brian Eno subraya esta idea-

Palma de oro Cannes 2001

Martin Eden de Pietro Marcello

Crítica de Martin Eden de Pietro Marcello - Festival Venecia 2019

El director adapta de manera libérrima la novela homónima escrita por Jack London.

En primer lugar sitúa la acción en los muelles del puerto de Nápoles, en vez de San Francisco. Un universo que el propio director conoce y en el que es capaz de desenvolverse. Allí  es capaz de reconocer los tonos y los giros del habla de las gentes y el conocimiento de las mismas, también la verosimilitud al filmar sus rostros, sus comportamientos y formas de vida, su deambular. Todo es auténtico, verosímil.

Otro factor a tener en cuenta radica en qué arco temporal está narrada esta historia. Se trata de un tiempo indeterminado, una suerte de atemporalidad donde ir incorporando, como en Novecento, todos los conflictos posibles que surgen en Italia durante todo el siglo anterior, y quizás también este, cargado de problemática y bajo la mirada de un protagonista escéptico que desiste de lo colectivo, para dirigir su interés hacia lo individual, culminando con el abandono como  actitud y discurso: No existe posibilidad de cambiar el mundo. Sin embargo la pasión y las pasiones nunca culminan.

Desde luego la forma contribuye a esa atemporalidad, rehuyendo de toda reconstrucción histórica al uso. Una parte de la cinta está rodada en 16mm y esa textura granulosa remite a un tiempo pretérito. Otro acierto es la incorporación de imágenes de archivo todas ellas de carácter cotidiano.

Sin embargo, el film adolece de poética.

2019: Festival de Venecia: Mejor actor (Luca Marinelli)

2019: Festival de Sevilla: Giraldillo de Oro – mejor película

Sinopsis: Martin Eden es un chico de pueblo que se gana la vida trabajando como marinero. Un día, Martin consigue salvar la vida de Arthur Morse, un joven de clase alta que vive en San Francisco. Como agradecimiento, Arthur invita a Martin a su hogar y, poco a poco, le va introduciendo en su propio estilo de vida. El joven ve esto como una oportunidad para convertirse, finalmente, en escritor y trata de aprovechar al máximo el tiempo entre lujos. Martin recibirá un impulso inesperado cuando conozca a Ruth, una joven de la que se enamora al instante.

Hogar de Maura Delpero

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El presente título acoge diversas significaciones todas ellas ciertas. Hogar es un asilo religioso que recoge muchachas menores embarazadas o con hijos. Hogar es una aspiración que estas muchachas no tienen. El hogar es lo que muchas jóvenes mujeres desean formar, aunque de una manera no tradicional o clásica y si es posible sin hombres.

Dentro de ese espacio cerrado donde se desarrolla la acción observamos conflictos y carencias de diversa índole. El conflicto que surge entre las dos muchachas adolescentes (intuimos levemente su pasado) con sus simpatías y desavenencias, bajo una aproximación ciertamente costumbrista, y que nos permite ver sus dificultades, sus inseguridades, su inmadurez, sus motivaciones, deseos, frustraciones, resentimientos, rebeldías y aceptaciones con relación a un entorno cerrado regido por férreas normas (conflicto entre lo mundano y lo religioso), del que en algún momento quisieran huir y rebelarse; o el conflicto que surge cuando la joven novicia llegada al asilo se encariña con una de las hijas de una de las madres y que puede abrir  otra acepción de la palabra hogar.

La directora es capaz de mantener la distancia necesaria y evitar todo tipo de subrayados y juicios a priori ( acertada mezcla de actores profesionales con no profesionales da verosimilitud a la narración y la fortalece), decantándose por la observación (observar a las adolescentes, observar a la religiosas y a la novicia que acaba de llegar, observar a los niños), mientras se van abriendo de forma natural dilemas éticos y morales entorno a la identidad femenina o la maternidad, las contradicciones, los códigos de lealtad…

Nota: Nos encontramos con una ficción austera que no oculta ciertos requerimientos del cine documental.

Sinopsis: Lu y Fati son dos madres adolescentes que viven en un refugio religioso en Buenos Aires. La hermana Paola llega para tomar su última voluntad. Sin embargo, el hecho de ser madres condiciona la decisión de las dos muchachas.

2019: Festival de Locarno: Mención especial

2019: Festival de Mar del Plata: Mejor película argentina – Mención Especial

 

Michelangelo infinito de Emanuele Imbucci

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Trabajo exclusivamente divulgativo de vocación didáctica. No busque el espectador, por tanto, creativos vuelos. El propio retrato del genio y su obra se manifiesta solemne, no habitan dificultosas líneas de dialogo tensas, que inviten a la investigación, la hondura definitivamente deserta, los subrayados prevalecen, los recursos discursivos constituyen la materia prima. La belleza, eso sí, se retrata a sí misma, cuando la cámara recorre de manera detallada las huellas latentes de la genialidad, justo cuando son mostradas algunas de sus obras famosas.

El traidor de Marco Bellocchio

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El veterano realizador italiano sigue siendo incisivo, nunca pierde el punto de vista, el del traidor; y a partir de ahí proyecta una radiografía político social, totalmente crítica y sin concesiones, de la realidad italiana, a la que pone en entredicho.

Maneja Bellocchio férreamente el relato, sus tiempos, las diversas aristas que este tiene, sus desvíos oníricos.

Bellocchio se abstiene en todo momento de glorificar a Tommaso Buscetta, adentrándose en su compleja personalidad, no eludiendo su responsabilidad criminal, no disimulando sus repulsivas sombras, desvelando de igual manera sus debilidades, sus emociones y lealtades, su sentimentalismo ostentoso (remilgado).

El traidor es un trabajo vigoroso, enérgico, visualmente potentísimo, lleno de matices, que no renuncia a su carácter trágicamente operístico.

Sinopsis: A principios de los años 80 se produjo una guerra entre los jefes de la mafia siciliana. Tommaso Buscetta, un hombre hecho a sí mismo, decide huir para esconderse en Brazil. Sus hijos son asesinados mientras él se ve incapaz de hacer nada para impedirlo. Cuando es extraditado por la justicia brasileña, Buscetta toma una decisión totalmente inesperada tanto para él como para todos los que le conocían: decide reunirse con el juez Giovanni Falcone, traicionado así el voto que realizó con la Cosa Nostra.

 

 

 

Notti magiche de Paolo Virzi

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Film caótico, errático y contradictorio que nos habla de un final de época, de un tiempo de zozobra social, política, artística, cinematográfica, allá por los años noventa, del pasado siglo, en Italia: Una fase de colapso simbólico, que sirve como preludio, certero aviso, del berlusconismo que estaba por venir, cuyos rasgos ya comenzaban a sobresalir.

Notti magiche es una comedia confusa preñada de situaciones forzadas (sobreactuadas) que van alargándose hasta la extenuación , diálogos entrecruzados, tal vez caóticos, que pregonan conflictos sobrepuestos de toda condición, y personajes, que en sí mismos, ya son arquetipos, dentro de un ambiente inestable, que se describe facilista.

Sinopsis: Verano de 1990. El cadáver de un renombrado productor de cine aparece en el río Tíber. Los principales sospechosos son tres jóvenes aspirantes a guionistas.

Gente del Po de Michelangelo Antonioni

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Esta pieza supone el debut cinematográfico del maestro de Ferrara. Una barcaza recala en las principales poblaciones situadas en la ribera del Po, allí viven familias de pescadores. El cortometraje avanza sin querer los postulados del llamado Neorrealismo. Antonioni evita hacer ficción, le interesa documentar la vida cotidiana, su mirada minuciosa, siempre atenta, pendiente de los detalles –sus planos vaciados, escasos elementos-, cercana a la misión de un entomólogo

Suspiria de Luca Guadagnino

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Aspira el film a elevarse como una apuesta qualite de cine de terror, con ínfulas de autoría, dejando a un lado todo carácter popular y de entretenimiento.

El resultado es formalmente pretencioso, narrativamente demagógico y hueco. La cinta agrega, además, un perfil político y un clarividente descendimiento del itinerario ideológico natural con el fin de evitar ser un simple cuento de brujas, para optar finalmente por una intencionalidad autoral de establecerse como una inasumible metáfora europea de las realidades políticas y sociales de los años setenta.

Lazzaro felice de Alice Rohrwacher

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La cinta repiensa ciertos modos del cine neorrealista italiano, consiguiendo con efectividad desenrollar, de manera orgánica, un trabajo que se desenvuelve entre el realismo mágico y la fábula social.

El film parte de acontecimientos reales, ocurridos en los años ochenta, en Italia.

Sinopsis: Lazzaro, un joven campesino de excepcional bondad, vive en La Inviolata, una aldea que ha permanecido alejada del mundo y es controlada por la Marquesa Alfonsina de Luna. Allí, la vida de los campesinos no ha cambiado nunca, son explotados y, a su vez, abusan de la bondad de Lazzaro. Un verano, se hace amigo de Tancredi, el hijo de la Marquesa. Entre ellos surge una amistad tan preciosa que hará viajar a Lazzaro a través del tiempo y lo llevará a conocer el mundo moderno.

Lentamente el film va derivando, sin apartarse de la tradición popular y lo veraz, hacia lo espiritual, lo fantástico…

La primera parte del film adopta una estructura coral y va describiendo el día a día de esos trabajadores hacinados en un lugar, tratados como mano de obra barata, siempre engañados y endeudados, alienados por un sistema medieval que nunca han de poner en cuestionamiento. No tienen contacto con el exterior. Esta primera parte casi está concebida como un documental, pero en un momento dado se quiebra.

En la segunda parte del trabajo encontramos a nuestros personajes instalados en la vida urbana y en la actualidad. Las leyendas y los mitos siguen muy presentes, irrigando el argumento. Los personajes han sido salvados por el estado de la esclavitud, pero han devenido en pícaros indigentes que mal sobreviven en el mundo moderno. La banca y la especulación lo han arruinado todo. La injusticia social se perpetúa y multiplica a lo largo del tiempo. Nuestro protagonista Lázaro es testigo de todos los tiempos. Lázaro muere en la primera parte, pero resucita en la segunda y es testigo viviente de toda mutación social económica y familiar. Lázaro es un personaje puente que deambula desde la Italia rural al capitalismo neoliberal, pasando por un periodo preindustrial.

La fábula posee aromas líricos, elevándose como alegorías, y lo mágico convive con la realidad y la dinámica de los grupos sociales y familiares a lo largo del tiempo.

La fábula corría el riesgo de imponer su lectura metafórica por encima de sus imágenes, pero por fortuna son la autenticidad de estas, su rugosa textura realista y la verdad que se desprende los rostros de los personajes, los factores que dan carne y sustento a la lectura simbólica (Carlos F Heredero, Caimán cuadernos de cine, crónica de la cinta).

2018: Festival de Cannes: Mejor guion (ex aequo)

2018: Festival de Sitges: Premio Especial del Jurado, Sección oficial a competición

 

 

 

 

 

 

Tú y yo de Bernardo Bertolucci

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La inestabilidad emocional de la juventud como común denominador esta  inmersa dentro del devenir social, histórico, ideológico… En el presente trabajo nos encontramos con estos condicionantes, esos condicionantes que vienen a marcar el difícil tránsito, el inestable tránsito que acompaña desde la adolescencia y la juventud hacia la madurez –representados en este caso por los personajes de Lorenzo y Olivia, marcados, determinados por la irresolución del complejo de Edipo, la ausencia permanente de la figura paterna, el narcisismo que conduce hacia el autismo, la presencia de la droga como sustitutivo de toda carencia, cierta atmósfera incestuosa-.

El estilo del maestro italiano siempre permanece, no renuncia de ninguna de las maneras a este, la puesta en escena define siempre su identidad, la capacidad de mover la cámara en interiores, dentro de espacios reducidos (claustrofóbicos), hasta ese plano secuencia justo al final, con su travelling grúa de ida y vuelta, mencionar ese encuentro, ese baile entre Olivia y Lorenzo abrazados, de fondo suena esa versión italiana del conocido tema de David Bowie; Space Oddity –tomadas resonancias de otros films del realizador, ver por ejemplo el baile entre Fabrizio y Gina en Antes de la revolución-.