Momma don´t allow de Tony Richardson y Karel Reisz

Momma don't allow (Mamá no deja, Tony Richardson & Karel Reisz, 1955)

Un grupo de jóvenes trabajadores culminan una jornada laboral –una limpiadora de vagones de tren, un ayudante de carnicería-. Se dirigen estos y otros jóvenes a un local de jazz Wood Green Jazz Club, donde actúa la Chris Barber Jazz Band. Jóvenes desesperanzados, algunos pequeños sueños. Un paréntesis en la jornada, en la vida cotidiana, motivos para sobrevivir. No abundan los diálogos. Las músicas sonando.

Pieza breve en los límites del documental. La señas del Free Cinema, interiores y exteriores naturales, una iluminación que no se aparta del realismo, una puesta en escena cuidadosa pero “desaseada”.

Judy de Rupert Goold

Renée Zellweger: “La Prensa destrozó a Judy Garland y nadie la ...

Rutinaria y convencional adaptación de una conocida obra teatral escrita por Peter Quilter y que gira alrededor de los últimos días de la cantante y actriz Judy Garland en Londres.

Un trabajo exageradamente expositivo que carece de plena emoción. Un nuevo y estereotipado cuento desolador focalizado alrededor de una muñeca rota, marcada por un pasado infantil angustiante y manipulador, que determinaría su vida adulta.

2019: Premios Oscar: Mejor actriz (Renée Zellweger)

Emma de Autumm de Wilde

Emma.: el bonito anticlasismo de Autumn de Wilde

La futilidad diaria de la clase burguesa y los conflictos sentimentales que se generan son rescatados en esta nueva adaptación de la novela Emma de Jane Austen, sin perder un ápice de sutil ligereza irónica, a sabiendas de cómo ilustrar a las generaciones acerca de las costumbres morales de un determinado microcosmos social.

Su estructura narrativa perfectamente hilvanada trascurre durante las cuatro estaciones con su adecuado cariz cromático. Si la narración comienza con un enlace matrimonial, concluye de la misma manera como cierre. Los conflictos sentimentales que se generan durante este arco narrativo se corresponden perfectamente con los roles asignados a las mujeres del siglo XIX, aunque también es verdad y hay que considerar  que durante el trayecto acontece un cierto giro de la visión ecuménica, aunque sea este de carácter espiritual, que riega de cierta fecundidad la conservadora sociedad. La escritora proponía propias moralejas aleccionadoras a los lectores de su tiempo.

El matrimonio es el anhelo de toda mujer. Primordial aspiración por encontrar una posición social de plena sobrevivencia, siendo inducidas bien por las madres o por la precariedad social económica en declive, debido por ejemplo a la ausencia del varón con posición económica solvente. Todos los conflictos y vaivenes surgen en relación a esta premisa, incluso aquí de manera colateral. Aunque hay que precisar que el personaje de Emma, en este caso, no tiene propósitos de aspirar al matrimonio y su posición económica es más que solvente, pero el amor lo trastoca todo de manera insospechada, además sus servicios como celestina son más que un hecho constatable que propicia enredos y equívocos diversos, imposiciones de voluntad.

La propuesta mantiene el espíritu de la novela, su ironía, en este caso rozando la farsa, aunque sin perder capacidad emocional. Se añaden sin rubor instantes cotidianos íntimos, inyección de juegos de seducción y temática sexual, contrarios desde luego al contenido espíritu narrativo de Austen.

Nota: La puesta en escena y la utilización del color van en esa dirección que consiste  en subrayar toda ostentación, así como la dirección artística y vestuario que la ensalzan.

 

 

 

 

Fuga de Pretoria de Francis Annan

Fuga de Pretoria (2020) Película - PLAY Cine

No esperen reflexión, ni hondura política, ni personajes polédricos en esta cinta de fugas carcelarias, aunque su argumento este basado en acontecimientos reales escritos por Tim Jenkin, miembro del Congreso nacional sudafricano.

Fuga de Pretoria sigue un trayecto dramático reconocible, incluso a todas luces previsible (amistad entre reclusos dentro de un ambiente opresivo, idea y esperanza de fuga, metodología y preparación de la misma, logro final a pesar de los contratiempos).

El director consigue tensionar su trabajo mediante el manejo de una continuada intriga. Sabe manejar además los tiempos del relato y el espacio, juega con los silencios, evita los subrayados.

La tragedia de Peterloo de Mike Leigh

Mike Leigh ('La tragedia de Peterloo'): "La historia siempre se ...

La aproximación del director británico a los acontecimientos históricos parte de unos principios ciertamente revisionistas de la historia y viene determinado por un replanteamiento  hiperrealista de la misma, acogiendo atentamente su dimensión etnográfica, también  intrahistórica de los sucesos, sin dejar de ningún modo de ser meticuloso (en la precisión de la reedificación de las arquitecturas, de los ambientes, vestuario y documentación sobre los preámbulos a aquellos acontecimientos y sus causas) a la vez que irónico y centrando su atención un tanto crítica, tanto en lo colectivo de un grupo humano como de los personajes reales históricos intervinientes, es decir asumiendo además una perspectiva coral.

Sinopsis: La historia de la masacre de Peterloo de 1819, durante la cual las autoridades británicas atacaron a los manifestantes de una protesta pacífica en Manchester.

La oveja Shaun. La película: Granjaguedón de Will Becher y Richard Phelan

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Narrar en imágenes donde apenas existen diálogos (o cuando la palabra se hace no entendible) remitiéndonos al cine mudo (al cine cómico en particular), de ahí la importancia del gesto, de la sucesión encadenada de gags (de certeros slapstick coreografiados).

Las referencias al cine y la literatura de ciencia ficción son incontables.

En su interior habita un sencillo mensaje a favor de la inclusión y la aceptación de otras culturas.

Gran cine de animación, déjense llevar. Puro entretenimiento.

For Sama de Waad al-Kateab y Edward Watts

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Sinopsis: La carta de amor de una madre a su hija, quien filma la historia de su enamoramiento, matrimonio, embarazo y maternidad, en medio de la devastación de Alepo por el terrorismo y la Guerra Civil Siria.

Documental necesario y urgente sobre el horror de la guerra y cómo el mundo está actuando de manera impasible, de espaldas a una realidad lacerante, donde muchos son los implicados.

For Sama agita nuestra conciencia, nos revuelve, nos hace pensar y reflexionar sobre el horror y el sufrimiento. Los directores filman simplemente, su punto de vista permanece cronológicamente intacto. Las imágenes son suficientemente incómodas, aterradoras en sí mismas, son documentos de la intrahistoria de una tragedia que aún continua. Su potencial  como retrato es enorme, efectivo.

Nota: Algún espectador, no obstante, puede dudar de algunas decisiones formales tendentes a una posible manipulación.

2019: Premios del Cine Europeo: Mejor documental

1917 de Sam Mendes

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El director se sirve, en esta ocasión, exclusivamente de la técnica y nos propone un experimento inmersivo, con el propósito de profundizar, de la manera más auténtica posible si cabe en las emociones de sus personajes, hasta el punto de asfixiar por completo la narración, privilegiando tan solo la enorme fuerza de las imágenes.

Rodada en tan solo un único plano secuencia (gracias a un más que acertado montaje que permite sensación de continuidad, sin que por ello se noten los cortes) y sin perder el foco de acción, esta odisea emocional prescinde de la narración y no dota a sus protagonistas de una mínima personalidad. Más bien parecen éstos dos cuerpos en movimiento constante, tratados como meros personajes de un videojuego y que avanzan progresivamente entre niveles de dificultad, cambiando de manera fluida de un espacio a otro, ajenos a las exigencias del espacio y el tiempo.

Sinopsis: En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield  y Blake reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.

Los dos papas de Fernando Meirelles

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La historia imagina una serie de encuentros y desencuentros, a modo de simplista juego dialéctico teatral, entre el Papa Benedicto XVI y el entonces cardenal Bergoglio (hoy el Papa Francisco). Un choque entre dos formas de pensar, actuar y ser.

La cinta alterna momentos dramáticos con otros ligeros, pero no deja, por un momento, de ser una apuesta inminentemente teatral estructurada en actos, salpicada en momentos puntuales por diversos flashbacks, tal vez de marcado tono didáctico (expositivo), pero nada reflexivos y demasiado evidentes, donde se cuenta la vida de Bergoglio, su pasado.

Una cinta bienintencionada, rutinaria, marcada por el abuso del subrayado. Se sobrevuelan diversas cuestiones de forma expositiva que surgen durante el diálogo entre ambos o durante esos flashbacks, pero no se ahonda en la gravedad de ninguna de estas.

Destacan las grandes interpretaciones de Anthony Hopkins y Jonathan Pryce.

Sorry we missed you de Ken Loach

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Loach trata de evitar posibles subrayados, su cine prefiere mostrar a demostrar, y que sea la propia realidad la que verdaderamente hable, y se tensione. Virtudes de un narrador omnisciente que radiografía y que concede solo al espectador la facultad de juzgar y reflexionar sobre aquello que sucede. Ese realismo de halo naturalista, cuya trama dosifica los picos dramáticos, cediendo en ocasiones espacios a cierto humor (cierta cotidianidad) y algún que otro destello lírico, consigue equilibrar la tragedia humana, al tiempo insuflar vida propia a este film excelente, aunque apremiado en su parte última de ciertas decisiones, que caen en un exacerbado didactismo.

El film nos habla de estos tiempos precarios. El trabajador es obligado a trabajar más horas, no estar apenas asegurado ni recibir un salario acorde, además de tratar de mantener la salud familiar a la que apenas se dedica tiempo. Un mundo de capitalismo salvaje en el que el obrero sigue siendo explotado, y opta por autoexplotarse para poder sobrevivir y en el que el empresario es tan explotador, como el propio cliente o consumidor, cada vez menos empático y exigente.

2019: Festival de San Sebastián: Premio del público – mejor film europeo