Conociendo a Astrid de Pernille Fischer Christensen

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Biopic acerca de la escritora Astrid Lindgren. La realizadora se centra esencialmente en un tiempo de traumas, a los que tuvo que hacer frente. Un tiempo difícil, sin duda, que determino su futuro, no solo como escritora, sino como mujer, que fue forjando un pensamiento, a contracorriente de su tiempo.

El film se estructura narrativamente como una prolongada analepsis. Su tono es ligero, evitando en lo posible todo dramatismo exacerbado. Una luz continuada, un tanto difusa inunda la trama, reforzando un futuro tiempo, aún por venir.

Border de Ali Abassi

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Abassi adapta una reconocible novela escrita por John Ajvide Lindqvist.

Border en una audaz combinación de géneros (el drama identitario, el género fantástico y el policiaco, esencialmente), consigue aglutinar una sorprendente reflexión sobre las fronteras y la convergencias entre los hábitos humanos y los instintos de las fieras, sobre las lindes que delimitan la moral civilizada y los impulsos ancestrales del ámbito salvaje, sobre lo masculino y lo femenino, sobre lo marginal y lo que no es.

La cinta se asienta sobre emociones identificables, incluso cuando el discurrir de la trama se va adentrando en osados territorios.

Abassi nos va descubriendo con eficiencia y sosiego a Tina, su naturaleza  y durante todo ese proceso cuestiona la normativa de lo que es aceptable y no lo es.

En definitiva una fábula bizarra, a cada tramo más inquietante y perturbadora, acerca de la sexualidad y la identidad. Border posee un tono cautivador, una construcción narrativa que sabe dosificar la información y que en los precisos giros dramáticos, nunca estos son previsibles, la precisión y la inteligencia prevalecen.

Sinopsis: Tina es una agente de aduanas reconocida por su eficiencia y por su extraordinario olfato. Da la impresión de poder oler la culpabilidad de un individuo. Pero cuando Vore, un hombre aparentemente sospechoso, pasa junto a ella, sus habilidades se ponen a prueba por primera vez. Tina sabe que Vore oculta algo, pero no logra identificar qué es.

2018: Festival de Cannes: Un Certain Regard – Mejor película

Descubriendo a Bergman de Jane Magnusson, Hynek Pallas

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En la medida de lo posible, el presente documental trata de desentrañar las raíces fundamentales del cine de Bergman, pero también de su contribución y sus aportaciones a este arte, hasta el punto de renovarlo por completo.

Según cada interviniente el cine según Bergman va adquiriendo diversos tonos, todos ellos diversos, siempre subjetivos: la firmeza luminosa, el desaliento, el escepticismo, la admiración, el ritualismo, la oscuridad, la importancia de los planos cortos conformando autorretratos, la importancia de lo onírico y lo mágico, lo trágico, el miedo, el terror de verse vivo y la importancia de la muerte, los conflictos que chocan y el paso del tiempo, el tormento como choque frente al consuelo, la consistencia de la duda, la epifanía, los fundamentos de renovación de una nueva dramática, lo litúrgico, la existencia, el horror, la incomunicabilidad, el silencio de Dios, las relaciones personales y de pareja, la guerra, la creatividad, el dolor, la religión…

El Cairo confidencial de Tarik Saleh

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Este es un film noir correcto, un tanto retro, sin duda entretenido. Sus nutrientes narrativos son tan evidentes, sus caracterizaciones y patrones evidentes.

La cinta se edifica con la revolución egipcia como telón de fondo. Consigue alzarse como un evidente ejercicio de denuncia sobre la corrupción del país, en estos días, que alcanza a todas sus escalas sociales (la cinta se inicia a partir de un asesinato y del policía que abre la investigación).

Sinopsis: Noredin, un detective corrupto con un futuro brillante en el cuerpo de policía, y cuyo principal propósito no es exactamente hacer el bien sino hacerse rico, es enviado al hotel Nile Hilton, donde acaban de descubrir el cadáver de una hermosa mujer. La identidad de ésta, sus conexiones con las élites de El Cairo y otros incidentes más personales acabarán llevando a Noredin a tomar decisiones trascendentales y a descubrirse a sí mismo.

2017: Seminci de Valladolid: Espiga de oro, Mejor director y Mejor guion.

The Square de Ruben Östlund

El motivo principal de esta cinta descansa dentro de ese universo que configura la élite del arte vanguardista conceptual y de cómo este es gestionado y tratado por museos financiados bajo mecenazgo privado. Bajo este motivo subyace toda una alegoría urdidora, desafiante, trasgresora, hasta revulsiva sobre la deshumanización de las relaciones humanas y sociales, el individualismo y la crueldad de las diferencias de clase.

Lo inquietante se va gestando bajo una superficie sosegada. Dentro de ese decoro moral va detectándose ciertas dosis de cobardía. De esta cobardía nacen los bajos instintos, que subyacen bajo esos disfraces que disimulan los llamados acuerdos o tratados sociales. Estas dialécticas señaladas explosionan, se desatan sin que se pueda controlar. La desmesura y desproporcionalidad hace mella, por lo tanto, extendiéndose las mismas por las ínfulas estéticas, con las que están concebidas las secuencias, reforzando lo dicho con anterioridad.

La cinta se planifica de manera explícita como una serie encadenada de Set Pieces tan causticas, como hirientes, también disidentes.

En algunos tramos somos testigos de toda sordidez, toda inquietud inquietante. En esos momentos lo cómico y lo absurdo no rehúye lo excéntrico. En otros tramos, las secuencias se estiran sin control absoluto (las pretensiones formales se tiñen de manera desenfrenada). En otros momentos, se trasparenta de manera obvia todo  discurso moral.

2017: Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor película)

 

 

 

 

 

 

Después de esto de Magnus von Horn

Una de las características que más nos llaman la atención de esta propuesta es su aridez expositiva. La tensión rige durante todo el relato. Nunca habitan las fugas dramáticas obvias o que puedan denotar superficialidad. Tanto las acciones como las reacciones resultan esenciales. La información se nos va proporcionando a cuentagotas. Se mantiene en todo momento la incertidumbre. Se juega constantemente con la complejidad como con la ambigüedad de todas y cada una de las relaciones. Todo es incertidumbre. La violencia cuando estalla encaja perfectamente con el tono austero y sombrío del relato. El tratamiento de la violencia la contempla el realizador con gélida mirada, sin subrayados, evitando juicios a priori. Lo que se dice a través de los mensajes subliminales, incluso los silencios carcomen desde su interior todo un microcosmos. La tragedia con su pasado y sus consecuencias seguirán siempre latentes.

Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia de Roy Andersson

Culmina el realizador su trilogía sobre la existencia del ser humana (ver Songs from the second floor, La comedia de la vida).

La publicidad desde luego fue su universo creativo, define su estilo. La delimitación de viñetas, los planos fijos sin cortes habitados por individuos de pálidos rostros siempre desconcertados cuyo patetismo da lugar a un efectivo humor, caracterizado por la frialdad y concisión.

La trilogía disecciona al ser humano de igual manera pero las escenas se dilatan  en duración y con ellas la agonía de sus personajes. Sus obras se caracterizan sobre el absurdo de la existencia –nunca se escuda en tramas-.

En este trabajo no hay relato, pero si desde luego dos personajes pueden funcionar como núcleo y motor del film –el universo de Andersson se acerca a Beckett, la concepción del tiempo desaparece, mantienen los personajes una relación de amor y odio con reproches y hartazgos, pero siempre finalmente se necesitan, es decir el sino de las relaciones humanas, la inanición también se apodera de los mismos, el gusto por la repetición, la ineptitud puede dar inesperadamente un giro y escapar del vacío de la existencia-

Andersson vuelve a mostrar interés por la utilización del Tableau Vivant – fusiona en su estilo el hiperrealismo, resonancias claras de Hooper, con ciertas dosis de surrealismo-.

El realizador divide el mundo entre los vivos que conservan cierta inocencia y una capacidad de existir para el otro, y por otro lado los muertos vivientes  que siempre están preocupados y son esclavos de las banalidades, su rostro es desasosegante de ahí sus blancas caras. Atendiendo a esto el realizador pretende que reflexionemos  sobre los desgastes de la existencia (y sus surcos) y el fracaso para siempre del individualismo.

Nota. Apreciar que en esta ocasión incorpora el pasado en el presente con total normalidad. La mitificación de la historia son trampas se nos viene a decir…….

2014: Festival de Venecia: León de Oro – Mejor película